100 najlepszych - Nabis
Nabis: 100 znanych obrazów, w których kolor staje się wystrojem
Serusier, Bonnard, Vuillard, Maurice Denis, Vallotton, Ranson i ich bliscy: kiedy malarstwo opuszcza iluzjonistyczne okno, aby stać się powierzchnią, rytmem i zamieszkałym pokojem.
Nabi pojawili się pod koniec XIX wieku z jasnym pomysłem: obraz nie musi udawać okna, aby być głębokim Tutaj ściana, sukienka i tapeta mogą mieć tyle osobowości, co główny bohater, dzięki czemu ozdobne zjazdy rodzinne są znacznie ciekawsze.
Płaskie, wewnętrzne i prorocy w kurtkach
Sto obrazów, które sprawiły, że powierzchnia była głębsza
Grupa Nabi powstaje wokół młodych artystów naznaczonych przez Gauguina, Pont-Avena, syntetyzm, japońskie grafiki i symbolikę Ich nazwa pochodzi od hebrajskiego nabi, proroka, który jest ambitny dla malarzy często bardzo zajętych obrusami, pokojami, ogrodami i dekoracyjnymi panelami Ale ambicja jest realna: uwolnić kolor, uprościć kształty, potwierdzić powierzchnię obrazu i nadać dekorowi poetycką moc.
Nabi nie malują okna otwartego na świat: przypominają nam, że obraz to przede wszystkim powierzchnia pokryta kolorami Ściana rozumie od razu; perspektywa, trochę mniej.Przełącz na obrazy
Klasyfikacja w obrazach
Sérusier, Gauguin, Vallotton, Bonnard, Vuillard i Denis rozpoczęli obrazami, które nadały ruchowi najtrwalsze obrazy.
#1
Talizman
Dla "Le Talisman", namalowanego w 1888 roku w Pont-Aven pod kierownictwem Gauguina, ten niewielki krajobraz przekształca drzewa i rzeki w płaskie obszary koloru; jego skromny rozmiar w żaden sposób nie przeszkadza jego ambicjom jako manifestu. Serusier traktuje "Le Talisman" jako organizację kolorowych znaków: obserwowany motyw pozostaje obecny, ale powierzchnia potwierdza swoją własną logikę. W "Le Talisman" praca jest datowana na 1888 cm; jest przechowywana w Musée d'Orsay; ma wymiary 27 x 21,5 cm. Dla "Le Talisman" praca jest datowana na 188 cm działa jak mały punkt wyjścia: zapowiada wzór, sytuację lub obecność, którą obraz następnie przekształca w doświadczenie wizualne.
Odkryj →
#2
Wizja po kazaniu
W przypadku „Wizji po kazaniu" Bretończycy widzą walkę Jakuba i anioła za czerwonym pniem, który przecina scenę; Gauguin oddziela w ten sposób zbiorowe doświadczenie od zwykłego świata ze spektakularną ekonomią środków. Gauguin podaje „Wizję po kazaniu" mocne kontury i płaskie obszary pełne pamięci; rzeczywistość staje się punktem wyjścia obrazu mentalnego. W „Wizji po kazaniu" dzieło jest datowane na rok 1888; jest przechowywany w Galeriach Narodowych Szkocji; mierzy 72,2 x 91 cm. W „Wizji po kazaniu" praca jest datowana na 188 cm. jego prawdziwe tempo W "Wizji po kazaniu" Paula Gauguina podmiot zachowuje wystarczającą obecność i światło, aby uniknąć wrażenia prostego wariantu dekoracyjnego.
Odkryj →
#3
Balon
Widok z lotu ptaka sprowadza ogród do dużych jasnych i ciemnych obszarów, gdy dziecko biegnie za swoim balonem; Vallotton tworzy niemal abstrakcyjną kompozycję z prostego momentu; rytm prowadzi wzrok bez sztywności Vallotton wycina "Le Ballon" z ostrymi sylwetkami, ostrymi kątami i psychologiczną odległością, która przekształca scenę w małą społeczną zagadkę W "Le Ballon" dzieło jest datowane na rok 1899; jest trzymane w Musée d'Orsay; mierzy 49,5 x 61,5 cm. Dla "Le Ballon" Félixa Vallottona praca jest datowana na 1899 cm. jest utrzymywana na żywo "Le Ballon" Félixa Vallottona, tytuł działa jak mały punkt wyjścia: zapowiada motyw, sytuację lub obecność, którą obraz następnie przekształca w wizualne doświadczenie.
Odkryj →
#4
Kobiety w ogrodzie: kobieta z pielgrzymem
Dla "Kobiety w ogrodzie: kobieta z pielgrzymem", kobiece sylwetki są rozmieszczone w wąskich panelach, gdzie sukienki, liście i ścieżki mają to samo znaczenie dekoracyjne; ogród staje się całością, aby być zamieszkanym okiem Bonnard przekształca "Kobiety w ogrodzie: kobieta z pielgrzymem" w tkaninę kolorów, oprawy i codzienne szczegóły, gdzie oko często odkrywa postać po wystroju W "Kobiety w ogrodzie: kobieta z pielgrzymem" praca jest datowana na 1891; jest pielgrzymem w Musée d'Orsay (Paryż); mierzy 160 x 48 cm. Dla "Kobiety w ogrodzie" jest wymienny wzór, ta wielka choroba zbyt pośpiesznych spojrzeń W "Kobietach w ogrodzie: kobieta z pielgrzymem" Pierre Bonnard postać przynosi inny rodzaj obecności: postawa, kostium, twarz lub gest nadają obrazowi ludzkie napięcie, którego sam krajobraz nie mógł wytworzyć.
Odkryj →
#5
W łóżku
Dla "W łóżku" łóżko, tkaniny i bliska twarz znoszą prawie całą głębię; Vuillard przekształca sypialnię w otoczkę wzorów, a nie wystrój umieszczony za postacią Vuillard łączy postacie, tkaniny i tapetę w "W łóżku", aż sprawia, że wnętrze jest gęstym, intymnym i nieco niezdyscyplinowanym światem, Dla "W łóżku" Edouarda Vuillarda siła pochodzi mniej z wybuchu blasku niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby poprowadzić oko, wystarczająca ilość oddechu, aby scena mogła żyć. W "Au litiance" przez lituarda siła pochodzi mniej z wystarczająco błyskotliwej struktury.
Odkryj →
#6
Muzy
Maurice Denis instaluje muzy we współczesnym drewnie, gdzie sukienki, pnie i liście tworzą fryz; mitologia opuściła Olimp, ale zachowała doskonałe wyczucie rytmu; kontrast prowadzi wzrok bez sztywności Maurice Denis konstruuje „Les Muses" jako obraz, który jest przemyślany i widziany: linia, symbol i kolor nadają podmiotowi celowo płaską klarowność. „Muzy" datowane są na rok 1893 i trzymane w Musée d'Orsay; mierzy 171 x 137,5 cm. Dla „Muz" Maurice’a Denisa siła pochodzi w mniejszym stopniu ze sceny wystarczająco błyskości, aby wytrącić strukturę. Wystarczająco błyskot z równowagi. Oddychanie, aby wytrącić strukturę Denis, obraz unika anonimowości, ponieważ niesie ze sobą rozpoznawalny temat; światło, oprawa i materiał nadają mu wówczas własną osobowość.
Odkryj →
#7
Białe i czarne
W przypadku „Białego i czarnego" obie postacie, ich ubrania i tło tworzą kontrast społeczny i chromatyczny; Vallotton utrzymuje scenę w zimnym napięciu, co uniemożliwia wygodne czytanie. Vallotton wycina „La Blanche et la Noire" o ostrych sylwetkach, ostrych kątach i dystansie psychologicznym, który przekształca scenę w małą zagadkę społeczną. „La Blanche et la Noire" datowany jest na rok 1913; ma wymiary 114 x 147 cm; jest przechowywany w Villa Flora. Dla „La Blanche et la Noire" jest datowany na 191 cm. powierzchnia W "La Blanche et la Noire" Félixa Vallottona kąt widzenia przekształca motyw; nawet bez większego spektakularnego efektu światło zasługuje na coś lepszego niż pośpieszny zawis.
Odkryj →
#8
Katolicka tajemnica
W przypadku „Tajemnicy katolickiej" Maurice Denis transponuje świętą scenę do kompozycji prostych gestów i stonowanych kolorów; wiara polega na uporządkowaniu powierzchni przed odebraniem aureoli. Maurice Denis konstruuje „Tajemnicę katolicką" jako myśl obrazową, a także widzianą: linia, symbol i kolor nadają tematowi celowo płaską klarowność. „Tajemnica katolicka" datowana jest na rok 1889 i przechowywana w muzeum wydziałowym Maurice-Denis; ma wymiary 97 x 143 cm. Dla „Tajemnicy katolickiej" ma postać 1889 x 1439 a, a dokładnie w muzeum wydziałowym; ma wymiary 97 x 143 katolicki" Maurice’a Denisa kąt spojrzenia zmienia motyw; nawet bez większego spektakularnego efektu światło zasługuje na coś lepszego niż pośpieszny zawis.
Odkryj →
#9
Biały Kot
Dla "Białego kota" kolor łączy odległe elementy i nadaje całości spójność, której perspektywa nie musi już podawać Bonnard przekształca "Białego kota" w tkaninę kolorów, kadrowania i codziennych szczegółów, gdzie oko często odkrywa postać po wystroju W "Białym kocie" praca jest datowana na rok 1894; jest ona utrzymywana w Musée d'Orsay (Paryż).W przypadku "Białego kota" Pierre Bonnard, w skali obrazu, ta osobliwość liczy się bardzo: unika zamiennego efektu wzoru, ta wielka choroba zbyt mocno uciskanego wyglądu W "Biały kot" liczy się zbyt pojedynczo
Odkryj →
#10
Czarownica z Czarnym Kotem
W przypadku „Czarownicy z czarnym kotem" oprawa przybliża widza do tematu, zachowując jednocześnie milczący dystans, szczególnie wrażliwy w zachowanych gestach. Ranson miesza arabeskę, roślinność i symbol w „Czarownicy z czarnym kotem"; natura dekoracyjna zawsze zachowuje szczegół zdolny zakłócić jej spokój. Dziś trzymane w Musée d'Orsay, „Czarownica z czarnym kotem" datowane jest na rok 1893 i ma wymiary 90 x 72 cm. W przypadku „Czarownicy z czarnym kotem" motyw „W przypadku obserwacji kota" Ratchon pozostaje tą samą pamięcią. czysta, czysta atmosfera i elastyczny sposób prowadzenia oka nadają obrazowi jego obecność.
Odkryj →
#11
Morze Żółte
Dla "Morza Żółtego" kilka twardych linii wystarczy, aby ustalić miejsce, następnie kolory poszerzają ten pierwszy punkt orientacyjny w kierunku bardziej wewnętrznego wrażenia Lacombe nadaje "Morzu Żółtym" uproszczone kształty i niemal wyrzeźbiony rytm, jakby kolor musiał mieć również ulgę Datowany na 1892, "Morze Żółte" jest przechowywany w kolekcji Muzeum Sztuk Pięknych w Brześciu i mierzy 60,7 x 81,5 cm. Dla "Morza Żółtego" Georges Lacombe, w skali obrazu, ten wzór morza żarliwego też się liczy: unika zamiennego efektu Georges zbyt wiele uwagi.
Odkryj →
#12
Pory życia
W przypadku „Pory życia" dominująca forma najpierw wyznacza rytm; postacie i szczegóły pojawiają się następnie jako wariacje, a nie sztywna hierarchia. Roussel instaluje „Pory życia" pomiędzy prawdziwym krajobrazem a wymarzonym duszpasterstwem; postacie wchodzą do natury, nie prosząc o zachowanie doskonałej wiarygodności. „Pory życia" datowane są na rok 1892; jest trzymany przy Mussee d'Orsay. Dla „Pory życia" Ker-Xaviera siła pochodzi w mniejszym stopniu z wybuchu błyskotliwości, a z równowagi: dla „Pory życia" Ker-Xaviera Roussela siła pochodzi w wystarczającym stopniu z przewodnika.
Odkryj →
#13
Kors w paski
W przypadku „The Striped Corse" scena zachowuje znane jej obiekty, poddając je płaskiemu porządkowi, w którym każdy interwał staje się aktywny. Vuillard łączy postacie, tkaniny i tapetę w „The Striped Corse", aż wnętrze stanie się gęstym, intymnym i nieco niezdyscyplinowanym światem. Datowany na rok 1895, „The Striped Corse" jest trzymany w National Gallery of Art i ma wymiary 65,7 x 58,7 cm. Dla „The Striped Corse" Edouarda Vuillarda siła pochodzi mniej z wybuchu świetności niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby poprowadzić scenę
Odkryj →
#14
Kwiecień
Dla "Avril" przestrzeń czyta się jak aktywny gobelin, gdzie wzory prowadzą oko, nie zapewniając mu bardzo wygodnego centralnego korytarza Maurice Denis konstruuje "Avril" jako obraz myśli, jak również widziany: linia, symbol i kolor nadają podmiotowi celowo płaską klarowność Dla "Avril" Maurice'a Denisa, w skali obrazu, ta osobliwość liczy się bardzo: unika efektu wymiennego wzoru, ta wielka choroba zbyt mocno naciśniętych spojrzeń, Dla "Avril" Maurice Denis, w skali obrazu, ta osobliwość liczy się bardzo pospiesznie rzuca się w oczy: unika zamiennego wzoru efekt, ten wielki obrazek, pospieszny.
Odkryj →
#15
Żółty Chrystus
W przypadku „Żółtego Chrystusa" kolor łączy odległe elementy i nadaje całości spójność, której nie musi już zapewniać perspektywa. Gauguin nadaje „Żółtemu Chrystusowi" mocne kontury i płaskie obszary pełne pamięci; rzeczywistość staje się punktem wyjścia obrazu mentalnego. „Żółty Chrystus" datowany jest na rok 1889; mierzy 92 x 73 cm; to też jest trzymane w Galerii Sztuki Albright-Knox w Buffalo. W przypadku „Żółtego Chrystusa" Paula Gauguina liczy się także ten wielki, pośpieszny obraz, to też się liczy. W skali Chrystusa też liczy się efekt pośpiechu.
Odkryj →
#16
Avenue de Clichy, piąta wieczorem
Dla "Avenue de Clichy, godzina piąta wieczorem", kolor łączy odległe elementy i daje całości spójność, której perspektywa nie musi już podawać Anquetin otacza figury i światła w "Avenue de Clichy, godzina piąta wieczorem" z prawie przeszkloną szczerością; współczesne miasto zyskuje w ten sposób natychmiastową czytelną strukturę, Dziś przechowywana w Wadsworth Atheneum, "Avenue de Clichy, godzina piąta wieczorem" jest datowana na 1887 i mierzy 69 x 53 cm, Dla "Avenue de Clichyvenue, godzina piąta wieczorem" jest datowana na 188 cm W „Avenue de Clichy, piąta wieczorem" Louisa Anquetina tytuł zapowiada badanie światła: wieczór, poranek, księżyc czy słońce stają się tutaj prawdziwymi tematami, a nie prostymi warunkami pogodowymi.
Odkryj →
#17
Biedny rybak
Dla "Biednego rybaka" temat konstruowany jest przez kolejne płaskie obszary; każdy kolor przybliża tło do postaci zamiast posłusznie zagłębiać się w perspektywę Puvis de Chavannes nadaje "Biednemu rybakowi" powolny rytm, ciche postacie i zmniejszoną głębię, która nadała Nabisowi monumentalny precedens, Teraz trzymany w Musée d'Orsay, "Biedny rybak" jest datowany na 1881 i mierzy 154,7 x 192,5 cm. W przypadku "Biednego rybaka" Puvisa de Chavannesa kompozycja może być odczytana etapami: najpierw wzór, potem masa daje światło fragmenty. mała notatka początkowa: zapowiada wzór, sytuację lub obecność, którą obraz następnie przekształca w doświadczenie wizualne.
Odkryj →
#18
Kobieta z parasolem
W przypadku „Kobiety z parasolem" przestrzeń czyta się jak aktywny gobelin, w którym wzory prowadzą oko, nie zapewniając mu bardzo wygodnego centralnego korytarza. Maillol szuka w „Kobiecie z parasolem" stabilności masy i konturu, która zapowiada jego pracę jako rzeźbiarza bez przekształcania obrazu w blok kamienia. W „Kobiecie z parasolem" dzieło datowane jest na rok 1892; jest trzymany w Musée d'Orsay; mierzy 190,5 x 149,6 cm. Dla „Kobiety z parasolem" Aristide Maillol liczy się zbyt pojedynczo. Maillol to nie tylko sylwetka umieszczona w pięknym świetle; postać staje się środkiem ciężkości, detalem, który przekształca atmosferę w spotkanie.
Odkryj →
#19
Obiad
Dla "Lunch" równowaga pochodzi mniej z głębi niż ze sposobu, w jaki jasne masy, ciemne obszary i zakrzywione linie reagują na siebie na powierzchni Vuillard łączy postacie, tkaniny i tapety w "Lunch" dopóki nie uczyni wnętrza gęstym, intymnym i nieco niezdyscyplinowanym światem, Dzisiaj przechowywane w Muzeum Sztuk Pięknych Liege, "Lunch" jest datowane na 1923 i mierzy 81 x 65 cm. Dla "Lunch" przez Edouarda Vuillarda obraz nie tylko stara się uwodzić VÉ; potwierdza sposób widzenia, gdzie materia, odległość i światło działają razem.
Odkryj →
#20
Sukienka wioślarska
W przypadku "Szaty z gałęziami" temat jest konstruowany przez kolejne płaskie obszary; każdy kolor zbliża tło postaci do siebie, zamiast posłusznie kopać w perspektywie Vuillard łączy postacie, tkaniny i tapetę w "Szata z gałęziami", aż wnętrze stanie się gęstym, intymnym i nieco niezdyscyplinowanym światem "Szata z gałęziami" datowana jest na 1891; mierzy 38 x 46 cm; jest przechowywana w muzeum sztuki Sao Paulo. W przypadku "Szaty z gałęziami" przez Édouarda Vuillarda kompozycja może być odczytywana etapami: najpierw wzór, potem masy.
Odkryj →
#21
Omnibus
W przypadku „Omnibusa" spojrzenie wchodzi przez wyraźny zarys, po czym przyjemnie zatraca się pomiędzy tkaniną, listowiem i sylwetką, nie znajdując całkowicie drugorzędnego planu. Bonnard przekształca „Omnibus" w tkaninę kolorów, kadrowania i codziennych szczegółów, w której oko często odkrywa postać po wystroju. „Omnibus" datowany jest na rok 1895; mierzy 59 x 41 cm; Pierre Bonnard pozostaje w pamięci, a Pierre Bonnard pozostaje w tej samej pamięci. W przypadku „Omnibusa" Pierre’a Bonnarda równowaga obserwacji pozostaje w tej samej odległości.
Odkryj →
#22
Szlafrok
W przypadku „Le Peignoir" światło nie modeluje objętości posłusznie; jest rozmieszczony w kolorowych obszarach, które nadają scenie dokładny nastrój. Bonnard przekształca „Le Peignoir" w tkaninę kolorów, kadrowania i codziennych szczegółów, w której oko często odkrywa postać po wystroju. W „Le Peignoir" praca jest datowana na około 1890 r.; jest przechowywany na powierzchni Musée d'Orsay (Paryż); mierzy 154 x 54 cm. Dla „Le Peignoir" Pierre'a Bonnarda decydująca jest równowaga między obserwacją a pamięcią pozostaje ta sama; Dla „pamięć" Pierre'a Bonnarda
Odkryj →
#23
Madame Vuillard szycie
Dla "Madame Vuillard szycia" kolor łączy odległe elementy i daje całość spójność, że perspektywa nie musi już administrować Vuillard łączy postacie, tkaniny i tapety w "Madame Vuillard szycia" aż do tego, że wnętrze gęste, intymne i nieco niezdyscyplinowane świata Datowane 1902, "Madame Vuillard szycia" jest utrzymywane w muzeum Sainte-Croix i mierzy 28 x 31 cm, Dla "Madame Vuillard szycia" przez Édouard Vuillard skali obrazu, ta osobliwość liczy się wiele wzór szycia, zbyt pozwala śledzić Édouard Vuillard tak blisko, jak to możliwe, do obecności, która jest oglądanie, czytanie, czekanie lub pobyt w odległości.
Odkryj →
#24
Kłamstwo
Dla "Kłamstwa" kolor łączy odległe elementy i nadaje całości spójność, której perspektywa nie musi już podawać Vallotton tnie "Kłamstwo" ostrymi sylwetkami, wyraźnymi kątami i psychologicznym dystansem, który przekształca scenę w małą społeczną zagadkę, Dla "Kłamstwa" Felixa Vallottona, w skali obrazu ta osobliwość liczy się bardzo: unika zamiennego efektu wzoru, ten wielki wzór zbyt mocno naciśniętego spojrzenia W "Kłamstwie" Félixa Vallottona, w skali obrazu Lielottona ta osobliwość liczy się bardzo pospiesznie: unika zamiennego efektu wzoru, ten wielki wzór Valliego zbyt pospiesznego spojrzenia.
Odkryj →
#25
Kobieta siedząca
Dla „Siedzącej kobiety" kolor łączy odległe elementy i nadaje całości spójność, której nie musi już zapewniać perspektywa. Maillol szuka w „Siedzącej kobiecie" stabilności masy i konturu, która zapowiada jej pracę jako rzeźbiarki, nie przekształcając obrazu w bryłę kamienia. Dla „Siedzącej kobiety" Aristide Maillol, w skali obrazu ta osobliwość liczy się bardzo: unika zamiennego efektu wzoru, ta wielka choroba wygląda zbyt pospiesznie. W „Siedzącej kobiecie" Aristide Maillol, w skali obrazu, ta osobliwość też się liczy: unika zamiennego efektu wzoru, ta wielka postać też się liczy.
Odkryj →Tkaniny, stoły, sylwetki i listowie pokazują, jak codzienność staje się kompozycją rytmów, wzorów i ciszy.
#26
Madeleine w Bois d'Amour
Dla "Madeleine au Bois d'Amour" kompozycja odrzuca efekt spektakularny i woli trwalsze napięcie między ludzką obecnością, wystrojem i pamięcią. Émile Bernard upraszcza tomy w "Madeleine au Bois d'Amour" i otacza kolory, nadając scenie bretońskiej siłę pamięci, a nie prosty efekt na zewnątrz. Dla "Madeleine au Bois d'Amour." Emile Bernard, w skali obrazu ta osobliwość liczy się bardzo: unika zamiennego efektu wzoru, ta wielka choroba zbyt wiele spojrzeń W "Madeleine a singular"
Odkryj →
#27
Młode Dziewczyny nad morzem
W przypadku „Młodych dziewcząt nad morzem" wystarczy kilka mocnych wersów, aby ustawić to miejsce, następnie kolory poszerzają ten pierwszy punkt orientacyjny w kierunku bardziej wewnętrznego wrażenia. Puvis de Chavannes nadaje „Młodym dziewczynom nad morzem" powolny rytm, ciche postacie i zmniejszoną głębię, która nadała Nabisom monumentalny precedens. Dla „Młodych dziewcząt nad morzem" Puvisa de Chavannesa ten żarliwy obraz również liczy się jako choroba. W „Młodych dziewczynach nad morzem" Puvisa de Chavannesa ten efekt wymienności.
Odkryj →
#28
Plaża w Heist
Dla "Plage à Heist" scena wydaje się znajoma, ale jej oprawa i relacje kolorystyczne nadają jej koncentrację przekomponowanego wspomnienia Georges Lemmen nadaje "Plage à Heist" powierzchnię zorganizowaną raczej przez kontur, kolor i rytm niż przez iluzję doskonale mądrej głębi Dla "Plage à Heist" Georgesa Lemmena oko znajduje dokładny powód do zwolnienia: linię, bank, profil lub kontrast, który nadaje obrazowi swój mały autorytet W "Plage à Heist" Georgesa Lemmena oko znajduje dokładny powód do spowolnienia: linię, bank, profil lub kontrast, który nadaje obrazowi autorytet
Odkryj →
#29
Obiad
Dla "Le Déjeuner" codzienne życie traci swoją banalność, gdy tylko linie i powierzchnie zaczynają organizować własną rozmowę Bonnard przekształca "Le Déjeuner" w tkaninę kolorów, kadrowania i codziennych szczegółów, gdzie oko często odkrywa postać po wystroju. "Le Déjeuner" jest datowany na 1923 i przechowywany w Fundacji i Kolekcji Emila G. W "Le Déjeuner", Bührle (Zurich); mierzy 41,3 x 62,2 cm. Dla "Le Déjeuner" Pierre'a Bonnarda można odczytać w etapach: najpierw w świetle, potem w
Odkryj →
#30
Wnętrze Matka i Siostra Artysty
Dla "Matki wewnętrznej i siostry artysty" kontury upraszczają świat, nie zubożając go; skupiają uwagę na kilku precyzyjnych relacjach formy i tonu. Vuillard łączy postacie, tkaniny i tapetę w "Matce wewnętrznej i siostrze artysty", aż wnętrze staje się gęstym, intymnym i nieco niezdyscyplinowanym światem. Dla "Matki wewnętrznej i siostry artysty" Edouarda Vuillarda oko znajduje dokładny powód do zwolnienia: linię, bank, profil lub kontrast, który nadaje obrazowi małą władzę.W "Matce wewnętrznej i siostrze artysty" profil, który znajduje Vuillard, linię
Odkryj →
#31
Łaźnia w letni wieczór
Dla "Łaźni w letni wieczór" kolor łączy odległe elementy i nadaje całości spójność, której perspektywa nie musi już podawać Vallotton tnie "Łaźni w letni wieczór" z ostrymi sylwetkami, wyraźnymi kątami i psychologicznym dystansem, który przekształca scenę w małą społeczną zagadkę, Dla "Łaźni w letni wieczór" Félixa Vallottona, w skali obrazu ta osobliwość liczy się bardzo: unika się efektu wymiennego, ta wielka choroba zbyt gorliwych spojrzeń. W "Łaźni w letni wieczór" Félixa Vallottona liczy się także ten wzór wymienny.
Odkryj →
#32
Bretończycy z parasolami
Dla "Les Bretonnes aux ombrelles" światło nie modeluje posłusznie objętości; jest ono rozmieszczone w kolorowych obszarach, które nadają scenie jej dokładny nastrój. Émile Bernard upraszcza objętości w "Les Bretonnes aux ombrelles" i otacza kolory, dając bretońskiej scenie siłę pamięci, a nie prosty efekt na zewnątrz, Dla "Les Bretonnes aux ombrelles" przez Émile Bernard, równowaga między obserwacją pozostaje decydująca; Émile Bernard É obserwacja utrzymuje się na tej samej powierzchni, a Bernardes pamięć zachowuje
Odkryj →
#33
Witam panie Gauguin
W przypadku „Bonjour Monsieur Gauguin" krajobraz rozwija się w pasmach i krzywiznach; obserwowana przestrzeń staje się konstrukcją dekoracyjną, nie tracąc przy tym wrażliwej pogody. Gauguin podaje „Bonjour Monsieur Gauguin", mocne kontury i płaskie obszary pełne pamięci; rzeczywistość staje się punktem wyjścia obrazu mentalnego. Datowany na rok 1889, „Bonjour Monsieur Gauguin" jest przechowywany w Galerii Narodowej w Pradze i ma wymiary 93 x 74 cm. W przypadku „Bonjour Monsieur Gauguin" można najpierw odczytać fragmenty światła.
Odkryj →
#34
Przy Moulin-Rouge
W przypadku „Au Moulin-Rouge" intymność motywu polega na jego bliskości, ale uproszczenie ujęć uniemożliwia zamknięcie sceny na anegdocie. Toulouse-Lautrec ramuje „Au Moulin-Rouge" jak najbliżej ciał i sztucznego światła, czyniąc życie nocne kompozycją, a nie przyjemną anegdotą. „Au Moulin-Rouge" datowany jest na rok 1892 i przechowywany w Art Institute of Chicago; mierzy 123 x 141 cm. Dla „Au Moulin-Rouge" Henri de Toulouse-Rouge 1, oko anonimowość, ponieważ niesie ze sobą rozpoznawalny temat; światło, oprawa i materiał nadają mu wówczas własną osobowość.
Odkryj →
#35
Cyklop
Dla "Cyklopa" przestrzeń czyta się jak aktywny gobelin, gdzie wzory prowadzą oko, nie zapewniając mu wygodnego centralnego korytarza, Redon czyni "Cyklopsa" raczej zjawą niż opisem; kolor nadaje marzeniu materiał wystarczająco precyzyjny, aby pozostać po przebudzeniu. Dla "Cyklopa" Odilona Redona, w skali obrazu, ta osobliwość liczy się bardzo: unika się efektu gorliwego wzoru Cyklopa, w skali tego gorliwego obrazu, ta osobliwość też się liczy: unika zamiennego wzoru Cyklopa, ta wielka skala też.
Odkryj →
#36
Nadzieja
W przypadku „L'Espérance" motyw pozostaje rozpoznawalny, ale jest rekonstruowany jako seria kolorowych rytmów, a nie kopiowany z fotograficznym posłuszeństwem. Puvis de Chavannes nadaje „L'Espérance" powolny rytm, ciche postacie i zmniejszoną głębię, co zapewniło Nabisowi monumentalny precedens. Aby „L'Espérance" Puvisa de Chavannesa „wystarczająco dużo siły wytchnienia" wyszło z obrazu, wystarczy siła, aby scena przeżyła wystarczająco dużo energii, aby wytrącić się z równowagi"
Odkryj →
#37
Nagi w kąpieli
W przypadku „Akty w kąpieli" kolor przenosi tutaj atmosferę przed światłem, nadając motywowi mentalną i opisową obecność. Bonnard przekształca „Akt w kąpieli" w tkaninę kolorów, ram i codziennych szczegółów, w której oko często odkrywa postać po wystroju. „Akt w kąpieli" datowany jest na rok 1936; mierzy 93 x 147 cm; jest przechowywany w paryskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej. W przypadku „Akty w kąpieli" Pierre’a Bonnarda obraz nie tylko stara się uwieść; potwierdza to, gdzie materia, odległość i światło działają razem. W przypadku „Aktu w kąpieli" Pierre Bonnard twierdzi, że ma znaczenie.
Odkryj →
#38
Macierzyństwo
W przypadku „Macierzyństwa" motyw pozostaje rozpoznawalny, ale jest rekonstruowany jako seria kolorowych rytmów, a nie kopiowany z fotograficznym posłuszeństwem. Maurice Denis konstruuje „Macierzyństwo" jako obraz, który jest zarówno przemyślany, jak i widziany: linia, symbol i kolor nadają tematowi celowo płaską klarowność. W przypadku „Macierzyństwa" Maurice’a Denisa siła pochodzi w mniejszym stopniu z wybuchu blasku niż z początku. W „Macierzyństwie" Maurice’a Denisa siła pochodzi w mniejszym stopniu z wybuchu blasku, a następnie z równowagi Maurycego - wystarczająca siła.
Odkryj →
#39
Wizyta
Dla "La Visite" sylwetki wyłaniają się raczej przez kontrast niż przez modelowanie, z klarownością, która czyni ich ciszę szczególnie wyczuwalną Vallotton tnie "La Visite" z ostrymi sylwetkami, ostrymi kątami i psychologicznym dystansem, który przekształca scenę w małą społeczną zagadkę Dla "La Visite" przez Félix Vallotton, obraz nie tylko stara się uwieść; obraz szuka tylko razem materii przez Visite, obraz szuka już przez Visite, obraz szuka tylko przez Visite pracy; potwierdza sposób widzenia, gdzie materia, odległość i światło uwodzi materię. W "La Visite" sposób Visite
Odkryj →
#40
Żniwa
Dla "La Moisson" kontury upraszczają świat, nie zubażając go; skupiają uwagę na kilku precyzyjnych relacjach formy i tonu.Emile Bernard upraszcza tomy w "La Moisson" i otacza kolory, dając scenie bretońskiej siłę pamięci, a nie prosty efekt plenerowy, Dla "La Moisson" Emile Bernarda oko znajduje dokładny powód do spowolnienia: linię, bank, profil lub kontrast, który daje obrazowi mały autorytet. W "La Moisson" przez Emile Bernard oko znajduje dokładny powód do spowolnienia: linię, profil Moisson, jego profil lub kontrast, który daje.
Odkryj →
#41
Krajobraz Martyniki
W przypadku „Paysage de Martinique" kontury upraszczają świat, nie zubażając go; skupiają uwagę na kilku precyzyjnych relacjach formy i tonu. Charles Laval nadaje „Paysage de Martinique" powierzchnię zorganizowaną przez kontur, kolor i rytm, a nie iluzję doskonale mądrej głębi. Dla „Paysage de Martinique" Charlesa Lavala oko znajduje dokładny powód do spowolnienia: linia, bank, profil, oko Martyniki daje temu obrazowi precyzyjny autorytet.
Odkryj →
#42
Niedziela
W przypadku „Niedzieli" powierzchnia przeplata się ze spokojnymi obszarami i ciaśniejszymi fragmentami, jak partytura, w której sam motyw reguluje tempo spojrzenia. Henri Le Sidaner nadaje „Le Dimanche" powierzchnię zorganizowaną przez kontur, kolor i rytm, a nie iluzję doskonale mądrej głębi. W przypadku „Le Dimanche" Henriego Le Sidanera obraz nie tylko stara się uwieść; pozwalając, aby materia działała razem, a odległość twierdzi, że Le działa razem. W „Le Dimanche" Le działa razem, szuka materii
Odkryj →
#43
Port w Pont-Aven
W przypadku „Portu Pont-Aven" spojrzenie wchodzi przez wyraźny zarys, a następnie przyjemnie zatraca się pomiędzy tkaniną, listowiem i sylwetką, nie znajdując całkowicie drugorzędnego planu. Maxime Maufra nadaje „Portowi Pont-Aven" powierzchnię zorganizowaną przez kontur, kolor i rytm, a nie przez iluzję doskonale mądrej głębi. Dla „Portu pamięci Pont-Aven" Maxime Maufra zachowuje tę samą równowagę pomiędzy obserwacją a pamięcią. Maxime Mauf zachowuje tę samą pamięć. Dla „Portu Pont-Aven" Maxime Maufra zachowuje tę samą równowagę między obserwacją a pamięcią.
Odkryj →
#44
Niebieski granat, efekt fali
Dla "Blue Navy, efekt fali" krajobraz postępuje w pasmach i krzywiznach; obserwowana przestrzeń staje się dekoracyjną konstrukcją bez utraty wrażliwej pogody Lacombe daje "Blue Navy, efekt fali" uproszczone kształty i niemal wyrzeźbiony rytm, jakby kolor również musiał mieć relief. Dla "Blue Navy, efekt fali" Georges'a Lacombe'a, kompozycja Lacomblue jest odczytywana etapami "Blue Navy, następnie fragmenty fali Georges'a" Georges Lacombe'a, kompozycja falowa w masach LacomBlue"
Odkryj →
#45
Piękna Angela
Dla "La Belle Angèle" nieoczekiwany kąt porządkuje kompozycję, pozostawiając zwykłe gesty z dyskretnym napięciem, którego sam podmiot nie ogłosił Gauguin daje "La Belle Angèle" mocne kontury i płaskie obszary pełne pamięci; rzeczywistość staje się punktem wyjścia obrazu mentalnego, Dziś trzymane w Musee d'Orsay, Paryż, "La Belle Angèle" jest datowane na rok 1889 i mierzy 92 x 73,2 cm. Dla "La Belle Angèle" Paula Gauguina siła pochodzi mniej z wybuchu błyskotliwości niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby poprowadzić oko, wystarczająca siła Oddechu z sceny.
Odkryj →
#46
Czerwony Młyn
Dla "Moulin Rouge" codzienne życie traci swoją banalność, gdy tylko linie i powierzchnie zaczynają organizować własną rozmowę Anquetin otacza postacie i światła z niemal przeszkloną szczerością w "Moulin Rouge; współczesne miasto zyskuje w ten sposób natychmiast czytelną strukturę, Dla "Moulin Rouge" Louisa Anquetin utwór czytany jest etapami: najpierw motyw, potem masy, potem fragmenty światła, które nadają obrazowi prawdziwe tempo, w "Moulin Rouge" utwór czytany jest etapami: najpierw motyw, potem masy, potem fragmenty światła, które nadają obrazowi Rouquet Louis prawdziwe tempo.
Odkryj →
#47
Święte drewno drogie sztuce i muzy
W przypadku „Świętego lasu drogiego sztuce i muzy" Maurice Denis instaluje muzy we współczesnym drewnie, gdzie sukienki, pnie i liście tworzą fryz; mitologia opuściła Olimp, ale zachowała doskonałe wyczucie rytmu. Puvis de Chavannes podaje „Świętemu drewnu drogiemu sztuce i muzyom" powolny rytm, ciche postacie i zmniejszona głębia, co dało Nabisom monumentalny precedens. Dla „Świętego lasu drogiego sztuce i muzy" Puvisa de Chavannesa oko znajduje dokładny powód do spowolnienia sztuki świętej a. Puvis de Chavannes, las zmusza oko do pracy inaczej: mniej spektakularny horyzont, więcej mas, przejść i małych otworów w świetle.
Odkryj →
#48
Krajobraz, Brookleton
W przypadku „Krajobrazu Brookletona" równowaga wynika nie tylko z głębi, ale także ze sposobu, w jaki jasne masy, ciemne obszary i zakrzywione linie reagują na siebie na powierzchni. Lucien Pissarro nadaje „Krajobrazowi, Brookletonowi" powierzchnię zorganizowaną przez kontur, kolor i rytm, a nie przez iluzję doskonale mądrej głębi. W przypadku „Krajobrazu, Brookletona" Lucien Pissar stara się uwodzić materię, a nie tylko widzieć razem materię. W przypadku „Krajobrazu, Brookleton" Luciena Pissarro szuka razem materii, odległość.
Odkryj →
#49
La Crique, dzikie wybrzeże, Quiberon
W przypadku „La Crique, dzikie wybrzeże, Quiberon" dominująca forma najpierw wyznacza rytm; postacie i szczegóły pojawiają się następnie raczej jako wariacje niż sztywna hierarchia. Maxime Maufra daje „La Crique, dzikie wybrzeże, Quiberon" powierzchnię zorganizowaną przez kontur, kolor i rytm, a nie iluzję doskonale mądrej głębi. Dla „La Crique, dzikiego wybrzeża, Quiberon" Maxime’a Maufry siła pochodzi w mniejszym stopniu z wybuchu blasku niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby poprowadzić oko, wystarczający oddech, aby pozwolić scenie żyć. W „La Crique, dzikie wybrzeże, Quiberon" wystarczy
Odkryj →
#50
Jadalnia z widokiem na ogród
W przypadku „Jadalni nad ogrodem" dominująca forma najpierw wyznacza rytm; postacie i szczegóły pojawiają się następnie raczej jako wariacje niż sztywna hierarchia. Bonnard przekształca „Jadalnię nad ogrodem" w tkaninę kolorów, ram i codziennych szczegółów, w której oko często odkrywa postać po wystroju. Datowany na rok 1930 „Jadalnia nad ogrodem" przechowywany jest w Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Nowy Jork) i ma wymiary 159 x 114 cm. W przypadku „Jadalni nad ogrodem" Pierre’a Bonnarda siła pochodzi nie tyle z przypływu blasku blasku, ile z równowagi: wystarczającej struktury, aby poprowadzić oko. Jadalnia z widokiem na ogród" Pierre’a Bonnarda, tytuł już daje konkretny punkt odniesienia do odczytania obrazu: temat, miejsce, światło czy akcja kierują wzrokiem, zanim materiał obrazkowy wykona swoją pracę.
Odkryj →Bretania, symbolika i syntetyzm odsuwają kolor od naśladownictwa, by powierzyć mu pamięć, wiarę i wzruszenie.
#51
Czerwony pokój
W przypadku „Czerwonego pokoju" sceneria zajmuje tyle samo miejsca, co podmiot ludzki, tak że patrzenie sprowadza się do negocjowania obecności z motywem. Vallotton wycina „Czerwony pokój" z wyraźnymi sylwetkami, ostrymi kątami i psychologicznym dystansem, który przekształca scenę w małą zagadkę społeczną. Dla „Czerwonego pokoju" Félixa Vallottona oko znajduje dokładny powód do spowolnienia obrazu. W „Czerwonym pokoju" Félixa Vallottona oko znajduje dokładny powód, a Valla, a, jego mały kontrast, a, linia. W „Folton"
Odkryj →
#52
Toaleta
W przypadku „La Toilette" wystrój zajmuje tyle samo miejsca, co podmiot ludzki, tak że patrzenie sprowadza się do negocjowania obecności z motywem. Toulouse-Lautrec oprawia „La Toilette" jak najbliżej ciał i sztucznego światła, czyniąc życie nocne kompozycją wycinającą, a nie przyjemną anegdotą. Dla „La Toilette" Henriego de Toulouse-Lautreca oko znajduje dokładny powód do spowolnienia: a Toulet autorytet, a Toulet a.
Odkryj →
#53
Pegaz trzymany w niewoli
W przypadku „Captive Pegasus" sylwetki wyłaniają się raczej w przeciwieństwie do modelowania, z ostrością, która sprawia, że ich cisza jest szczególnie zauważalna. Redon czyni „Captive Pegasus" raczej zjawą niż opisem; kolor nadaje marzeniu materiał na tyle precyzyjny, że pozostaje po przebudzeniu. W przypadku „Captive Pegasus" Odilona Redona obraz nie tylko stara się uwieść; potwierdza sposób widzenia, gdzie materia, odległość i światło współdziałają. W „Captive Pegasus" Odilona Redona obraz nie tylko stara się uwodzić; zapewnia sposób widzenia, w jaki materia, odległość i światło zaczynają się razem" Odagza
Odkryj →
#54
Stół w białym ogrodzie w Gerberoy
W przypadku „Stół w białym ogrodzie w Gerberoy" spojrzenie wchodzi przez wyraźny zarys, a następnie przyjemnie zatraca się pomiędzy tkaniną, liśćmi i sylwetką, nie znajdując całkowicie drugorzędnego planu. Henri Le Sidaner podaje „Stół w białym ogrodzie w Gerberoy" powierzchnia zorganizowana przez kontur, kolor i rytm, a nie iluzję doskonale mądrej głębi. W przypadku „Stół w białym ogrodzie w Gerberoy" Henri Le Sidaner reguluje równowagę, aż obecność i pamięć są utrzymywane na tej samej powierzchni. W „Pamięci w białym ogrodzie w Gerberoy" utrzymuje się tę samą równowagę między obserwacją ogrodu i obserwacją Gerbera. początek: zapowiada motyw, sytuację lub obecność, którą obraz następnie przekształca w doświadczenie wizualne.
Odkryj →
#55
Czytanie modeli w warsztacie
W przypadku „Czytania modeli w warsztacie" spojrzenie wchodzi przez wyraźny zarys, a następnie zostaje przyjemnie utracone pomiędzy tkaniną, liśćmi i sylwetką, nie znajdując całkowicie drugorzędnego planu. Georges Lemmen daje „Czytanie modeli w warsztacie" powierzchnię zorganizowaną przez kontur, kolor i rytm, a nie przez iluzję doskonale mądrej głębi. W przypadku „Czytania modeli w warsztacie" Georgesa Lemmena równowaga między obserwacją a pamięcią pozostaje decydująca; Georges Lemmen dostosowuje obecność w warsztacie, Georges Lemmen zachowuje tę samą pamięć. W przypadku Lemmenów Lemes zachowuje tę samą pamięć.
Odkryj →
#56
Wrześniowy wieczór
W przypadku „Wieczoru wrześniowego" kolor łączy odległe elementy i nadaje całości spójność, której perspektywa nie musi już podawać. Maurice Denis konstruuje „Wieczór wrześniowy" jako obraz przemyślany i widziany: linia, symbol i kolor nadają podmiotowi celowo płaską klarowność. W „Wieczorze wrześniowym" praca jest przechowywana w Muzeum Sztuk Pięknych. Nawet w „wieczornym" Maurice’u Denis liczy się na skalę obrazu, ta wymienna skala wrześniowa, nawet w skali pośpiesznej, ta wymienna skala wrześniowa liczy się na tę chorobę.
Odkryj →
#57
Czarownice
Dla "Czarownic" codzienność traci swoją banalność, gdy tylko linie i powierzchnie zaczynają organizować własną rozmowę Ranson miesza arabeskę, roślinność i symbol w "Czarownicach"; dekoracyjna natura zawsze zachowuje szczegół zdolny zakłócić jej spokój, Dla "Czarownic" Paula Ransona, kompozycja jest czytana etapami: najpierw motyw, potem masy, potem fragmenty światła, potem motywy światła, najpierw odczytywane są fragmenty, potem fragmenty światła.
Odkryj →
#58
W Salonie przy rue des Moulins
W przypadku „Au Salon de la rue des Moulins" temat konstruowany jest w kolejnych płaskich obszarach; każdy kolor przybliża tło do postaci, zamiast posłusznie zagłębiać się w perspektywę. Toulouse-Lautrec ramuje „Au Salon de la rue des Moulins" możliwie najbliżej ciał i sztucznego światła, czyniąc życie nocne kompozycją, a nie przyjemną anegdotą. W przypadku „Au Salon de la rue des Moulins" Henriego de Toulouse-Lautreca kompozycję można czytać etapami: najpierw motyw, potem msze, potem fragmenty światła, które nadają obrazowi prawdziwe tempo. W Tulu obraz: podmiot, miejsce, światło lub działanie kierują wzrok, zanim materiał obrazkowy wykona swoją pracę.
Odkryj →
#59
Lato
W przypadku „Lata" scena zachowuje znane jej obiekty, poddając je płaskiemu porządkowi, w którym każda przerwa staje się aktywna. Puvis de Chavannes nadaje „Latu" powolny rytm, ciche postacie i zmniejszoną głębię, co zapewniło Nabisom monumentalny precedens. Dla „Lata" Puvisa de Chavannesa siła pochodzi w mniejszym stopniu z wybuchu blasku, a w przypadku równowagi: wystarczająca struktura, aby poprowadzić oko, wystarczający oddech, wystarczający do przeżycia sceny, aby pozwolić jej żyć. W „Lacie" de Channes, wystarczająca struktura, aby poprowadzić oko, wystarczy oddechu, aby pozwolić, aby scena przeżyła wystarczającą siłę. W „Lato" Channes" chwyta"
Odkryj →
#60
Taras
W przypadku „La Terrasse" powierzchnia przeplata się ze spokojnymi obszarami i ciaśniejszymi fragmentami, jak partytura, w której sam motyw reguluje tempo spojrzenia. Henri Le Sidaner nadaje „La Terrasse" powierzchnię zorganizowaną raczej przez kontur, kolor i rytm niż przez iluzję doskonale mądrej głębi. W przypadku „La Terrasse" Henri Le Sidaner stara się uwodzić materię, a nie widząc ją razem, szukając światła. W „La Terrasse" Henri Le Sidaner szuka światła, szuka tylko w sposób uwodzenia.
Odkryj →
#61
Kiosk, Boulevard des Batignolles
W przypadku „Le Kiosque, Boulevard des Batignolles" intymność motywu polega na jego bliskości, ale uproszczenie ujęć uniemożliwia zamknięcie sceny na anegdocie. Bonnard przekształca „Le Kiosque, Boulevard des Batignolles" w tkaninę kolorów, kadrowanie i codzienne szczegóły, gdzie oko często odkrywa postać po wystroju. W przypadku „Le Kiosque, Boulevard des Batignolles" Pierre’a Bonnarda oko znajduje dokładny powód do zwolnienia: linia, bank, profil lub kontrast, który nadaje obrazowi precyzyjny autorytet. W „Le Kiosque, profil Boulevard Batignol" znajduje linię.
Odkryj →
#62
Ogrody publiczne: małe dziewczynki bawiące się
W przypadku „Ogrody publiczne: zabawa małych dziewczynek" powierzchnia zmienia spokojne obszary i ciaśniejsze przejścia, jak partytura, w której sam wzór reguluje tempo spojrzenia. Vuillard łączy postacie, tkaniny i tapety w „Ogrodach publicznych: zabawa małych dziewczynek", aż wnętrze staje się gęstym, intymnym i nieco niezdyscyplinowanym światem. W przypadku „Ogrodów publicznych: zabawa małych dziewczynek" Edouarda Ogrody Vuillarda obraz nie tylko stara się uwodzić; potwierdza sposób widzenia, gdzie materia, odległość i światło współdziałają. Dla „Ogrody publiczne: zabawa małych dziewczynek" Edouarda Vuillarda, obraz
Odkryj →
#63
Naga kobieta śpi
W przypadku „Nagiej śpiącej kobiety" dominująca forma najpierw wyznacza rytm; postacie i szczegóły pojawiają się następnie jako odmiany, a nie sztywna hierarchia. Vallotton wycina „Nagą śpiącą kobietę" z ostrymi sylwetkami, ostrymi kątami i psychologicznym dystansem, który przekształca scenę w małą społeczną zagadkę. Dla „Nagiej śpiącej kobiety" Félixa Vallottona siła pochodzi w mniejszym stopniu z przypływu blasku niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby poprowadzić oko, wystarczająca ilość oddechu, aby pozwolić scenie żyć. W „Nagiej śpiącej kobiecie" Félix Vallottona siła pochodzi mniej z przypływu blasku niż z równowagi.
Odkryj →
#64
Dwie bretońskie kobiety na łące
Dla "Dwóch Bretonek na prerii" kontury upraszczają świat, nie zubażając go; skupiają uwagę na kilku precyzyjnych relacjach formy i tonu. Emile Bernard upraszcza tomy w "Dwóch Bretonach na prerii" i otacza kolory, nadając bretońskiej scenie siłę pamięci, a nie prosty efekt na zewnątrz. Dla "Dwóch Bretonek na prerii" Emile Bernard oko znajduje dokładny powód do zwolnienia: linię, bank, profil lub kontrast, który nadaje obrazowi mały autorytet W "Dwóch Bretonach na prerii" profil Emile Bernard, oko
Odkryj →
#65
Alyscampowie
W przypadku „Les Alyscamps" sceneria zajmuje tyle samo miejsca, co podmiot ludzki, do tego stopnia, że patrzenie sprowadza się do negocjowania obecności z motywem. Gauguin podaje „Les Alyscamps" mocne kontury i płaskie obszary pełne pamięci; rzeczywistość staje się punktem wyjścia obrazu mentalnego. „Les Alyscamps" jest datowany na rok 1888 i trzymany w Musée d'Orsay w Paryżu; ma wymiary 91,5 x 72,5 cm. Dla „Les Alyscamps" linijka Alyscampsa, a
Odkryj →
#66
Rydwan Apolla
W przypadku „Rydwanu Apolla" nieoczekiwany kąt organizuje kompozycję, pozostawiając zwykłe gesty z dyskretnym napięciem, którego sam podmiot nie ogłosił. Redon sprawia, że „Rydwan Apolla" jest raczej zjawą niż opisem; kolor nadaje marzeniu materiał na tyle precyzyjny, że pozostaje po przebudzeniu. Dla „Rydwanu Apolla" Odil Redona siła pochodzi w mniejszym stopniu z wybuchu blasku niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby żyć, siła pochodzi z Apolla, siła Apolla, siła wydychana, wystarczająca, aby utrzymać się na tyle, aby utrzymać siłę.
Odkryj →
#67
Jesień
Dla „Jesieni" wystarczy kilka sztywnych wersów, aby ustalić miejsce, następnie kolory poszerzają ten pierwszy punkt odniesienia w kierunku bardziej wewnętrznego wrażenia. Puvis de Chavannes nadaje „Jesieni" powolny rytm, ciche figury i zmniejszoną głębię, co zapewniło Nabisom monumentalny precedens. Dla „Jesieni" Puvisa de Chavannesa, w skali obrazu, ta osobliwość liczy się bardzo: unika się wymiennego efektu, w skali Puvisa de Chavannesa, w skali obrazu, ta osobliwość liczy się bardzo wymiennie: unika tego zamiennego efektu.
Odkryj →
#68
Latarnia morska w Port Haliguen
Dla "Le Phare du Port Haliguen" kolor niesie tu atmosferę przed światłem, dając motywowi mentalną, jak i opisową obecność Maxime Maufra daje "Le Phare du Port Haliguen" powierzchnię zorganizowaną przez kontur, kolor i rytm, a nie przez iluzję doskonale mądrej głębi, Dla "Le Phare du Port Haliguen" przez Maxime Maufra obraz nie tylko stara się uwodzić; utwierdza w nim drogę do światła.
Odkryj →
#69
Miejsce Clichy
W przypadku „Place Clichy" scena zachowuje znane obiekty, poddając je płaskiej kolejności, w której każdy interwał staje się aktywny. Bonnard przekształca „Place Clichy" w tkankę kolorów, kadrowania i codziennych szczegółów, w których oko często odkrywa postać po wystroju. Teraz trzymany w Norton Simon Museum (Pasadena), „Place Clichy" jest datowany na rok 1900 i ma wymiary 35 x 98,5 cm. W przypadku „Place Clichy" Pierre’a Bonnarda siła pochodzi mniej z wybuchu blasku niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby poprowadzić oko, wystarczająca siła oddechu, aby pozwolić scenie żyć.
Odkryj →
#70
Biblioteka
Dla "Biblioteki" kolor niesie tu atmosferę przed światłem, nadając motywowi mentalną, jak i opisową obecność Vuillard łączy postacie, tkaniny i tapetę w "Bibliotece", aż czyni wnętrze gęstym, intymnym i nieco niezdyscyplinowanym światem Dla "Biblioteki" Edouarda Vuillarda, obraz nie tylko stara się uwodzić; potwierdza sposób widzenia, gdzie materia, odległość i światło działają razem, w "Bibliotece" Edouarda Vuillarda obraz nie tylko usiłuje uwodzić materię, a następnie potwierdza sposób widzenia materii razem.
Odkryj →
#71
Wejście na Kalwarię
W przypadku „Ascent to Calvary" scena zachowuje znane obiekty, poddając je płaskiej kolejności, w której każdy interwał staje się aktywny. Maurice Denis konstruuje „Ascent to Calvary" jako obraz przemyślany i widziany: linia, symbol i kolor nadają obiektowi celowo płaską klarowność. Dla „Ascent to Calvary" Maurice’a Denisa siła pochodzi w mniejszym stopniu z wybuchu blasku niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby poprowadzić oko. Siła pochodzi z wybuchu blasku Calilliance. W „Ascent to Calilliance" siła wystarczająca do przeżycia.
Odkryj →
#72
Zapasy bretońskie
Dla "La Lutte bretonne" motyw pozostaje rozpoznawalny, ale jest rekonstruowany raczej jako seria barwnych rytmów niż kopiowany z fotograficznym posłuszeństwem Serusier traktuje "La Lutte bretonne" jako organizację kolorowych znaków: obserwowany motyw pozostaje obecny, ale powierzchnia potwierdza własną logikę, Dla "La Lutte bretonne" Paula Sérusiera siła pochodzi mniej z wybuchu błyskotliwości niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby kierować okiem, wystarczająca ilość oddechu, aby scena mogła żyć. W "La Lutte bretonne" Paula Sérusiera siła pochodzi mniej z wybuchu błyskotliwości, niż z wystarczającej struktury oka:
Odkryj →
#73
Przebaczenie
Dla "Le Pardon" kształty zbliżają się do krawędzi i przekształcają płótno w ciągłą przestrzeń, bez tła skazanego na granie statystów.Emile Bernard upraszcza tomy w "Le Pardon" i otacza kolory, nadając scenie bretońskiej siłę pamięci, a nie prosty efekt na zewnątrz.W przypadku "Le Pardon" przez Émile Bernard kompozycja jest odczytywana etapami: najpierw motyw, potem masy, potem fragmenty światła, które nadają obrazowi prawdziwe tempo.W "Le Pardon" przez Émile Bernard kompozycja jest odczytywana etapami: najpierw motyw, potem masy, potem fragmenty światła, które nadają obrazowi prawdziwe
Odkryj →
#74
Utrata dzieciństwa
W przypadku „Utraty dziewicy" nieoczekiwany kąt organizuje kompozycję, pozostawiając zwykłe gesty z dyskretnym napięciem, którego sam podmiot nie ogłosił. Gauguin nadaje „Utracie dziewicy" mocne kontury i płaskie obszary pełne pamięci; rzeczywistość staje się punktem wyjścia mentalnego obrazu. „Utrata dziewicy" jest datowana na lata 1890-1891; mierzy 89 x 130 cm; jest przechowywany w Chrysler Museum of Art w Norfolk. Dla „Utraty dziewicy" Paula Gauguina siła pochodzi mniej z wybuchu blasku niż z równowagi: dla „Utraty dziewicy"
Odkryj →
#75
Rozmowa
W przypadku „Rozmowy" powierzchnia przeplata się ze spokojnymi obszarami i ciaśniejszymi fragmentami, jak partytura, w której sam motyw reguluje tempo spojrzenia. Vuillard łączy postacie, tkaniny i tapety w „Rozmowa", aż wnętrze staje się gęstym, intymnym i nieco niezdyscyplinowanym światem. „Rozmowa" jest przechowywana w Galerii Narodowej. Dla „Rozmowy" Edouarda Vuillarda obraz nie tylko ma na celu uwiedzenie materii; potwierdza sposób widzenia, gdzie materia, odległość i światło działają razem. W „Rozmowa" Edouarda Vuillarda obraz nie tylko potwierdza materię.
Odkryj →Rippl-Rónai, Filiper, Bernard, Anquetin, Redon i pokrewni malarze poszerzają trasę bez pozostawiania malarstwa.
#76
Klaun Cha-U-Kao
Dla „La clownesse Cha-U-Kao" kompozycja odrzuca spektakularny efekt i woli trwalsze napięcie pomiędzy ludzką obecnością, wystrojem i pamięcią. Toulouse-Lautrec ramuje „La clownesse Cha-U-Kao" jak najbliżej ciał i sztucznego światła, czyniąc życie nocne kompozycją ciętą, a nie przyjemną anegdotą. W „La clownesse Cha-U-Kao" dzieło Chause’a-Lautreca liczy się „La clownesse Cha-U-Kao" Henriego de Toulouse-Lautrec, w skali ponu, ten motyw też się liczy. zainteresowanie pochodzi z samego tematu: daje czytelnikowi konkretny chwyt, zanim pozwoli kolorowi, światłu i szczegółowi zająć się resztą.
Odkryj →
#77
Wazon z kwiatami
W przypadku „Wazy kwiatów" rytm wynika z powtarzania nieco przesuniętych kształtów, na tyle regularnych, aby połączyć obraz i na tyle swobodnych, aby go animować. Redon sprawia, że „Waza kwiatów" ma raczej wygląd niż opis; kolor nadaje marzeniu materiał na tyle precyzyjny, że pozostaje po przebudzeniu. Teraz przechowywane w Muzeum Sztuk Pięknych, „Waza kwiatów". W przypadku „Wazy kwiatów" Odilona Kwiaty pozostają w decydującej odległości. W obserwacji Odilona Redona „Wartość kwiatów" pozostaje decydująca pamięć między obserwacją Odila. W obserwacji Redona pozostaje ta sama pamięć"
Odkryj →
#78
Praca
W przypadku „Le Travail" scena zachowuje znane jej obiekty, poddając je płaskiemu porządkowi, w którym każdy interwał staje się aktywny. Puvis de Chavannes nadaje „Le Travail" powolny rytm, ciche postacie i zmniejszoną głębię, co zapewniło Nabisom monumentalny precedens. Dla „Le Travail" Puvisa de Chavannesa siła pochodzi w mniejszym stopniu z przypływu blasku niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby poprowadzić oko, wystarczająca ilość oddechu, aby pozwolić scenie żyć.
Odkryj →
#79
Czerwone klify Octeville, Dolna Sekwana
W przypadku „Czerwonych klifów Octeville, Basse-Seine" kolor łączy odległe elementy i nadaje całości spójność, której nie musi już podawać perspektywa. Maxime Maufra daje „Czerwone klify Octeville, Basse-Seine" powierzchnię zorganizowaną przez kontur, kolor i rytm, a nie iluzję doskonale mądrej głębi. W skali obrazu ta osobliwość się liczy: zbyt unika się efektu wymiennego wzoru, zbyt wiele choroby Basseeville’a. beton: odbicie, brzeg, łódź lub staw organizują głębokość i zapobiegają unoszeniu się światła bez tematu.
Odkryj →
#80
Toaleta
Dla „La Toilette" kontury upraszczają świat, nie zubażając go; skupiają uwagę na kilku precyzyjnych relacjach formy i tonu. Bonnard przekształca „La Toilette" w tkaninę kolorów, ram i codziennych szczegółów, gdzie oko często odkrywa postać po wystroju. „La Toilette" jest datowany na lata 1914-1921 i trzymany przy Musee d'La Orsay; mierzy 119 x 79 cm. Dla „La Toilette" Pierre’a Bonnarda oko znajduje dokładny powód do spowolnienia: linia, krawędź, profil lub kontrast, który nadaje obrazowi autorytet.
Odkryj →
#81
Dwie szwaczki pod lampą
Dla "Dwóch szwaczek pod lampą" scena wydaje się znajoma, ale jej oprawa i relacje kolorystyczne nadają jej koncentrację pamięci recomposed Vuillard łączy postacie, tkaniny i tapetę w "Dwie szwaczki pod lampą" aż do uzyskania przez wnętrze gęstego, intymnego i nieco niezdyscyplinowanego świata, Dla "Dwóch szwaczek pod lampą" przez Edouard Vuillard krawędź znajduje dokładny powód do spowolnienia: linię, krawędź, profil lub kontrast, który nadaje obrazowi małą władzę, w "Dwie krawędzie pod lampą" przez Édouard profil lampa w dół, oko
Odkryj →
#82
Krajobraz z zielonymi drzewami
W przypadku „Krajobrazu z zielonymi drzewami" przestrzeń czyta się jak aktywny gobelin, w którym wzory prowadzą oko, nie zapewniając mu bardzo wygodnego centralnego korytarza. Maurice Denis konstruuje „Krajobraz z zielonymi drzewami" jako obraz przemyślany i widziany: linia, symbol i kolor nadają podmiotowi celowo płaską przejrzystość. Dla „Krajobrazu z zielonymi drzewami" Maurice’a Denisa, w skali obrazu ta osobliwość ma duże znaczenie, skala tego ma się bardzo: unika się tego zjawiska
Odkryj →
#83
Kąpiący się
Dla "Les Baigneuses" kształty zbliżają się do krawędzi i przekształcają płótno w ciągłą przestrzeń, bez tła skazanego na granie statystów.Emile Bernard upraszcza tomy w "Les Baigneuses" i otacza kolory, nadając scenie bretońskiej siłę pamięci, a nie prosty efekt na zewnątrz.W przypadku "Les Baigneuses" przez Émile Bernard, kompozycję można odczytać etapami: najpierw motyw, potem masy, potem fragmenty światła, które nadają obrazowi prawdziwe tempo.w "Les Baigneuses" przez Émile Bernard, kompozycję można odczytać etapami: najpierw motywem światła, potem mszami
Odkryj →
#84
Pola w Pouldu, czyli Krajobraz w Pouldu
Dla "Champs au Pouldu, czyli Paysage au Pouldu", życie codzienne traci swoją banalność, gdy tylko linie i powierzchnie zaczynają organizować własną rozmowę Gauguin podaje "Champs au Pouldu, czyli Paysage au Pouldu" stanowcze kontury i płaskie obszary pełne pamięci; rzeczywistość staje się punktem wyjścia obrazu mentalnego. "Champs au Pouldu, czyli Krajobraz au Pouldu" jest przechowywany w Galerii Narodowej. Albowiem "Champs au Pouldu, czyli Krajobraz au Pouldu" Paula Gauguina, kompozycja może być odczytywana etapami: najpierw motywem światła, potem fragmentami
Odkryj →
#85
Kobieta na ulicy
Dla „Kobiety na ulicy" nieoczekiwany kąt porządkuje kompozycję, pozostawiając zwykłe gesty z dyskretnym napięciem, którego sam podmiot nie ogłosił. Anquetin otacza postacie i światła niemal przeszkloną szczerością w „Kobiecie na ulicy"; nowoczesne miasto zyskuje w ten sposób natychmiast czytelną strukturę. Dla „Kobiety na ulicy" Louisa Anquetina siła pochodzi mniej z wybuchu błyskotliwości niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby utrzymać oko. Wystarczająca siła pochodzi z wybuchu świetności niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby poprowadzić scenę, aby żyć.
Odkryj →
#86
Narodziny Wenus
W przypadku „Narodzin Wenus" motyw pozostaje rozpoznawalny, ale zostaje zrekonstruowany jako seria kolorowych rytmów, a nie skopiowany z fotograficznym posłuszeństwem. Redon sprawia, że „Narodziny Wenus" są raczej objawieniem niż opisem; kolor nadaje marzeniu materiał wystarczająco precyzyjny, aby pozostać po przebudzeniu. Aby „Narodziny Wenus" Odilona Redona miały wystarczającą siłę, aby utrzymać strukturę Odil. W „Narodzinach Wenus" Odil Redon siła pochodzi w mniejszym stopniu z wybuchu blasku niż z równowagi: wystarczająca struktura, aby poprowadzić Wenus, siła.
Odkryj →
#87
Odpoczynek
W przypadku „Le Repos" spojrzenie wchodzi przez wyraźny zarys, po czym przyjemnie zatraca się pomiędzy tkaniną, liśćmi i sylwetką, nie znajdując całkowicie drugorzędnego planu. Puvis de Chavannes nadaje „Le Repos" powolny rytm, ciche postacie i zmniejszoną głębię, która zapewniła Nabis monumentalny precedens. W przypadku „Le Repos" Puvisa de Chavannesa de Chavannesa zachowanie tej samej pamięci pozostaje decydująca równowaga pomiędzy obserwacją Puvis de Chavannes, dopóki nie zachowa tej samej pamięci; W „Le Repos" obserwacja Puvis de Chavannes utrzymuje tę samą odległość
Odkryj →
#88
Plaża w Morgat, Finistère
W przypadku „La Plage à Morgat, Finistère" powierzchnia przeplata spokojne obszary i ciaśniejsze fragmenty, jak partytura, w której sam motyw reguluje tempo spojrzenia. Maxime Maufra daje „La Plage à Morgat, Finistère" powierzchnię zorganizowaną przez kontur, kolor i rytm, a nie iluzję doskonale mądrej głębi. W przypadku „La Plage à Morgat, Finistère" autorstwa Maxime’a Maufry obraz nie tylko stara się uwodzić; potwierdza sposób widzenia, gdzie materia, odległość i światło działają razem. W „La Plage à Morgat, finistère"
Odkryj →
#89
Drzemka
Dla „Sieste" scena zachowuje znane obiekty, poddając je płaskiej kolejności, w której każdy interwał staje się aktywny. Bonnard przekształca „Sieste" w tkankę kolorów, kadrowania i codziennych szczegółów, w której oko często odkrywa postać po scenerii. Datowany na rok 1900, „Sieste" jest trzymany w National Gallery of Victoria (Melbourne) i mierzy 109 x 132 cm. Dla „Sieste" Pierre’a Bonnarda siła pochodzi w mniejszym stopniu z wybuchu błyskotliwości, a z równowagi: wystarczająca struktura, aby poprowadzić oko, wystarczająca siła oddechu, aby pozwolić żyć. W „Sieste" wystarczy siła
Odkryj →
#90
Jadalnia, rue des Batignolles
Dla "Jadalnia, rue des Batignolles", kształty zbliżają się do krawędzi i przekształcają płótno w ciągłą przestrzeń, bez tła skazanego na granie statystów.Vuillard łączy postacie, tkaniny i tapetę w "Jadalnia, rue des Batignolles" aż do wnętrza gęste, intymne i nieco niezdyscyplinowane świata, Dla "Jadalnia, rue des Batignolles" przez Édouard Vuillard, kompozycja może być odczytywane etapami: najpierw motyw, potem masy, potem fragmenty światła, które nadają obrazowi prawdziwe tempo W "Jadalnia, rue des Batignolles"
Odkryj →
#91
Portret Yvonne Lerolle w trzech aspektach
W przypadku „Portretu Yvonne Lerolle w trzech aspektach" scena wydaje się znajoma, ale jej kadrująca i barwna relacja nadają jej koncentrację ponownie skomponowanej pamięci. Maurice Denis konstruuje „Portret Yvonne Lerolle w trzech aspektach" jako obraz myśli, jak również widać: linia, symbol i kolor nadają tematowi celowo płaską przejrzystość. W przypadku „Portretu Yvonne Lerolle w trzech aspektach" Maurice Denis znajduje dokładny powód do spowolnienia: linia, bank, profil lub kontrast, który nadaje obrazowi precyzyjny autorytet. W „Portrecie Yvonne Lerolle profil w trzech aspektach"
Odkryj →
#92
Portret mojej siostry Madeleine
Dla "Portret mojej siostry Madeleine", kontury upraszczają świat, nie zubażając go; skupiają uwagę na kilku precyzyjnych relacjach formy i tonu. Émile Bernard upraszcza tomy w "Portret mojej siostry Madeleine" i otacza kolory, nadając bretońskiej scenie siłę pamięci, a nie prosty efekt zewnętrzny, Dla "Portret mojej siostry Madeleine" przez Émile Bernard oko znajduje dokładny powód do spowolnienia: linię, bank, profil lub kontrast, który nadaje obrazowi jego mały autorytet W "Portret mojej siostry Madeleine" przez Émile Bernard profil, jego oko w dół
Odkryj →
#93
Kobiety z Tahiti
Dla „Femmes de Tahiti" nieoczekiwany kąt organizuje kompozycję, pozostawiając zwykłe gesty z dyskretnym napięciem, którego sam podmiot nie ogłosił. Gauguin nadaje „Femmes de Tahiti" mocne kontury i płaskie obszary pełne pamięci; rzeczywistość staje się punktem wyjścia mentalnego obrazu. „Kobiety z Tahiti" są datowane na rok 1891; mierzy 69 x 91 cm; jest utrzymywany w Musee d'Orsay w Paryżu. Dla „Kobiet z Tahiti" Paula Gauguina siła na żywo pochodzi mniej z wybuchu blasku niż z równowagi: Dla „Kobiet Tahiti dość siły" Paul
Odkryj →
#94
Cisza
Dla "Le Silence" intymność motywu leży w jego bliskości, ale uproszczenie ujęć uniemożliwia zamknięcie sceny na anegdocie, Redon czyni "Le Silence" raczej zjawą niż opisem; kolor nadaje marzeniu materiał wystarczająco precyzyjny, aby pozostać po przebudzeniu, Dla "Le Silence" Odilona Redona oko znajduje dokładny powód do zwolnienia: linię, bank, bank, profil, profil lub kontrast, który nadaje obrazowi precyzyjny autorytet, w "Le Silence" Odilona Redona anonimowość, oko znajduje dokładny powód do spowolnienia: linię, bank, profil lub kontrast, który nadaje obrazowi trochę autorytetu
Odkryj →
#95
Pokój
Dla "Pokój" kompozycja odrzuca efekt spektakularny i preferuje trwalsze napięcie między ludzką obecnością, wystrojem i pamięcią Puvis de Chavannes nadaje "Pokójowi" powolny rytm, ciche figury i zmniejszoną głębię, co oferowało Nabisom monumentalny precedens, Dla "Pokój" Puvisa de Chavannesa, w skali tego wielkiego obrazu liczy się pośpiech: unika zamiennego efektu motywu, tej wielkiej skali choroby pospiesznej.
Odkryj →
#96
Ścieżka kanałowa w Gravelines
Dla "Le chemin du canal à Gravelines" krajobraz postępuje w pasmach i krzywych; obserwowana przestrzeń staje się dekoracyjną konstrukcją bez utraty wrażliwej pogody Henri Le Sidaner nadaje "Le chemin du canal à Gravelines" powierzchnię zorganizowaną przez kontur, kolor i rytm, a nie przez iluzję idealnie mądrej głębi.For "Le chemin du canal à Gravelines" Henri Le Sidaner, kompozycja jest czytana etapami: najpierw wzór, potem masy, potem fragmenty światła, które nadają obrazowi prawdziwe tempo.W "Le chemin du canal à Gravelines" Henri Le Sidaner można odczytać wzór w etapach światła
Odkryj →
#97
Dno portu Goulphar, Belle-Île en Mer
Dla "Dół portu Goulphar, Belle-Île en Mer", scena wydaje się znajoma, ale jej kadrowanie i relacje kolorystyczne nadają jej koncentrację pamięci recomposed Maxime Maufra podaje "Dół portu Goulphar, Belle-Île en Mer" powierzchnię zorganizowaną przez kontur, kolor i rytm raczej niż przez iluzję doskonale mądrej głębi, Dla "Dół portu Goulphar, Belle-Île en Mer" Maxime'a BelleÎ Maufra, oko znajduje dokładny powód do spowolnienia: linię, bank, profil lub kontrast, który nadaje obrazowi jego mały autorytet.
Odkryj →
#98
Kąpiący się, plaża Pouldu
Dla "Baigneuses, plage du Pouldu" rytm rodzi się z powtórzenia nieco przesuniętych kształtów, na tyle regularnych, aby zjednoczyć obraz i na tyle swobodnych, aby go animować Maurice Denis konstruuje "Baigneuses, plage du Pouldu" jako obraz myśli, jak również widziany: linia, symbol i kolor dają podmiotowi celowo płaską klarowność, Dla "Baigneuses, plage du Pouldu" Maurice Denis pozostaje decydująca równowaga między obserwacją a pamięcią; Maurice Denis pamięć pozostaje w tej samej równowadze, obserwacja jest utrzymywana przez Maurice'a Denisa
Odkryj →
#99
Kolacja, efekt lampy
W przypadku „Kolacji, efektu lampy" przestrzeń czyta się jak aktywny gobelin, w którym wzory prowadzą oko, nie zapewniając mu wygodnego centralnego korytarza. Vallotton wycina „Kolację, efekt lampy" z ostrymi sylwetkami, ostrymi kątami i psychologiczną odległością, która przekształca scenę w małą zagadkę społeczną. Dla „Kolacji, efektu lampy" autorstwa Finnerixa Vallottona, w skali obrazu ta wyjątkowość się liczy.
Odkryj →
#100
Skąd pochodzimy Co jesteśmy Dokąd idziemy?
Intymność motywu tkwi w jego bliskości, ale uproszczenie ujęć uniemożliwia zamknięcie sceny na anegdocie. Gauguin daje: „Skąd pochodzimy? Co jesteśmy? Dokąd idziemy?" twarde kontury i płaskie obszary pełne pamięci; rzeczywistość staje się punktem wyjścia obrazu mentalnego. „Skąd pochodzimy? 1? Gdzie idziemy?" jest datowany na rok 1897; ma wymiary 139,1 x 374,6 cm; jest przechowywany w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie. 1. Czy jest przechowywany. 7. czy nadchodzimy Co my? dokąd idziemy? autorstwa Paula Gauguina, podmiot zachowuje wystarczającą obecność i światło, aby uniknąć wrażenia prostego wariantu dekoracyjnego.
Odkryj →Co ujawnia ranking
Sto obrazów i kilka sposobów życia ze ścianą
Nabi chcieli przybliżyć sztukę do życia, nie czyniąc ani jednego, ani drugiego bardziej banalnym. Ich płaskie obszary, otoczenie i intymne sceny przekształcają pokój lub ogród w przestrzeń mentalną zbudowaną jako duża scena fabularna.
Kolor przestaje być posłuszny
Zielony, żółty lub czerwony może nieść emocję przed prawidłowym opisaniem trawy, słońca lub sukienki.
Wzór zjada głębię
Tapeta, liście i odzież łączą figurę i tło, aż sprawisz, że wygląd stanie się cierpliwą grą rozpoznawczą.
Intymność staje się monumentalna
Szew, posiłek lub cicha rozmowa zyskują gęstość zarezerwowaną niegdyś dla bitew i zapracowanych bogów.
Dekoracja myśli
Dekoracyjne panele i zestawy nie tylko wypełniają przestrzeń: organizują pełne doświadczenie koloru, rytmu i pamięci.
Chronologia proroków koloru
Pięć dat, aby śledzić przygodę z Nabi
W Pont-Aven Serusier namalował pod przewodnictwem Gauguina mały krajobraz o wyzwolonych kolorach, który stał się przenośnym manifestem grupy.
Serusier, Denis, Bonnard, Ranson, Ibels i ich przyjaciele tworzą bractwo, którego hebrajskie imię oznacza proroków; obiady nagle nabierają bardzo dekoracyjnej grawitacji.
Japońskie nadruki zachęcają do płaskich obszarów, miękkich linii, ciętych ram i przestrzeni bez iluzjonistycznej głębi.
Zestawy projektowe Vuillard, Bonnard, Denis i Roussel do mieszkań, w których malarstwo, ściany i meble w końcu zaczynają ze sobą rozmawiać.
Trajektorie są rozbieżne, ale Bonnard i Vuillard przedłużają intymność, podczas gdy Denis, Vallotton i pozostali realizują swoje wyobrażenie o nowoczesnej powierzchni.
Nabi dogłębnie
Dlaczego Nabi sprawiają, że malarstwo jest tak intymne?
Grupa Nabi powstaje wokół młodych artystów naznaczonych przez Gauguina, Pont-Avena, syntetyzm, japońskie grafiki i symbolikę Ich nazwa pochodzi od hebrajskiego nabi, proroka, który jest ambitny dla malarzy często bardzo zajętych obrusami, pokojami, ogrodami i dekoracyjnymi panelami Ale ambicja jest realna: uwolnić kolor, uprościć kształty, potwierdzić powierzchnię obrazu i nadać dekorowi poetycką moc.
Paul Sérusier odgrywa rolę spustu z Le Talisman, małym obrazem zrodzonym pod wpływem Gauguina, Krajobraz staje się konstrukcją kolorów, niemal magiczną formułą nowoczesności Drzewa, woda i światło przekształcają się w płaskie obszary Obraz wydaje się skromny w rozmiarach, ale otwiera ogromne drzwi Pokazuje, że talizman nie musi robić dużo hałasu, aby przenieść meble z historii sztuki.
Pierre Bonnard daje Nabisom codzienne ciepło Jego ogród, jadalnia czy sceny z momentami domowymi krążą wszędzie kolorem: na ścianach, ubraniach, stołach, cieniach Temat wydaje się prosty, ale kompozycja jest umiejętnie zorganizowana W Bonnard obrus może stać się krajobrazem, okno może stać się wydarzeniem, a jadalnia może prowadzić bardzo aktywne życie wewnętrzne.
Édouard Vuillard popycha intymność w kierunku niemal tekstylnej gęstości, Jego wnętrza otaczają bohaterów tapetami, zasłonami, sukienkami i wzorami, Postacie wydają się czasem pochłonięte własnym wystrojem, jakby dom myślał cicho Vuillard przekształca pokój w atmosferę, a atmosferę w temat Nawet kącik salonu wydaje się zdolny do zachowania rodzinnej tajemnicy z godną podziwu dyskrecją.
Maurice Denis daje grupie istotną podstawę teoretyczną: zanim zostanie koniem hobbystycznym, nagą kobietą lub anegdotą, obraz jest płaską powierzchnią pokrytą kolorami zmontowanymi w określonej kolejności To słynne zdanie wyjaśnia wiele rzeczy: Nabi nie uciekają od rzeczywistości, reorganizują ją jako motyw, rytm, symbol i wystrój To malarstwo myśli o malarstwie, ale nie zapominając o pozostaniu przyjemnym w oglądaniu, co zawsze jest doceniane.
Félix Vallotton, Paul Ranson, Ker-Xavier Roussel, Georges Lacombe, Aristide Maillol, Jan Verkade i Rippl-Rónai poszerzają ruch Vallotton wnosi ostrą linię i suchą ironię, Ranson schodzi w stronę dekoracyjnej tajemnicy, Lacombe nadaje krajobrazowi siłę rzeźbiarską, Roussel instaluje miękkie mitologie, Maillol upraszcza figury Grupa nie ma ani jednego głosu: przypomina raczej rozmowę w salonie, w którym aktywnie uczestniczy tapeta.
W dekoracji Nabi są szczególnie skuteczne, ponieważ już myślą o obrazie jako o wystroju Płaskie obszary, wzory, wnętrza, ogrody, sylwetki i kolorowe harmonie nadają się naturalnie do salonów, sypialni, biur i korytarzy, które chcą ciepła, nie tracąc przy tym swojej finezji Bonnard oświetla, koperty Vuillard, konstrukcje Denis, Vallotton wyostrza Ściany uzyskują kultywowaną obecność, a nikt nie jest zobowiązany mówić zbyt głośno.
Ten Top skupia tylko obrazy, gdzie duch Nabi pojawia się wyraźnie: syntetyczny kolor, uproszczenie, japońskie wpływy, intymność, wystrój i symbolika, Niektóre pochodzą z rdzenia grupy, inne z jej najbliższych krewnych, ponieważ Nabi są mniej granicą niż sposobem patrzenia Przypominają nam, że pokój lub ogród może stać się kompletnym światem, zwłaszcza gdy kolor zdecyduje się na prowadzenie rozmowy.
Cztery klawisze odczytu
Spójrz, nie szukając od razu okna
Powierzchnia, wzór, kolor i oprawa wyjaśniają, dlaczego te obrazy na pierwszy rzut oka wydają się proste, a potem znacznie mniej posłuszne, gdy tylko oko zacznie krążyć.
Zaakceptuj mieszkanie
Obraz potwierdza jego płaskość; głębia pochodzi z relacji kształtu, a nie z dobrze nachylonego korytarza perspektywicznego.
Porównaj rysunek i tło
Tkaniny, ściany i liście łączą ujęcia, aż postacie pojawią się w niewielkich różnicach.
Przeczytaj emocję
Odcienie niekoniecznie kopiują naturalne światło; nadają pamięci, sacrum lub intymności swoją temperaturę.
Obserwuj cięcia
Wysokie kąty, ścięte sylwetki i niecentralne kompozycje ukazują wpływ Japonii i współczesnego życia.
Sprawdzona Biblioteka Nabi
Kontynuuj po setnym obrazie
Musée d'Orsay, Metropolitan Museum, muzea poświęcone Bonnardowi i Maurice'owi Denisowi, Wikipedia, Wikidata i Wikimedia Commons pozwalają sprawdzić daty, techniki, wymiary i zbiory Prorocy doceniają również dobre zapisy.
W reprodukcji Alpha
01Pawła SerusieraMistrzowie Nabisa02Pawła GauguinaMistrzowie Nabisa03Feliks VallottonMistrzowie Nabisa04Pierre’a BonnardaMistrzowie Nabisa05Édouarda VuillardaMistrzowie Nabisa06Maurycego DenisaMistrzowie Nabisa07Paula RansonaMistrzowie Nabisa08Georgesa Lacombe’aMistrzowie Nabisa09Ludwik AnquetinMistrzowie Nabisa10Aristide MaillolMistrzowie Nabisa11NabiKolekcje i przewodniki12Reprodukcje NabisaKolekcje i przewodniki13Znane obrazyKolekcje i przewodniki14Wszystkie słynne topowe obrazyKolekcje i przewodniki15Reprodukcje Pierre BonnardKolekcje i przewodniki16Reprodukcje Édouard VuillardKolekcje i przewodniki17Reprodukcje Maurice DenisKolekcje i przewodniki18Wszystkie reprodukcje obrazówKolekcje i przewodnikiCzęsto zadawane pytania
Nabi bez obowiązkowego tajnego stowarzyszenia
Niezbędne odpowiedzi, aby zrozumieć ich imię, malarzy, ich wpływy i sto obrazów po drodze.
Kim są Nabi?
Nabi to grupa artystów działających pod koniec XIX wieku, skupiona wokół Sérusiera, Bonnarda, Vuillarda, Maurice'a Denisa, Vallottona, Ransona i niektórych bliskich symbolice i Pont-Aven.
Dlaczego Talizman jest ważny?
Bo ten mały obraz Serusiera kondensuje wpływ Gauguina: płaskie obszary, uproszczenie, wyrazisty kolor Staje się dyskretnym manifestem, ale bardzo skutecznym.
Jaką rolę odgrywa Bonnard?
Bonnard przynosi ciepły, intymny i kolorowy obraz, gdzie codzienne życie staje się dekoracyjnym rytmem W domu stoły i okna mają prawdziwą karierę wizualną.
Dlaczego Vuillard jest tak kojarzony z wnętrzami?
Ponieważ przekształca pokoje, tapety, sukienki i zasłony w gęstą atmosferę Postacie i motywy mieszają się tam jak w domowej pamięci.
Co miał na myśli Maurice Denis?
Przypomniał, że obraz to przede wszystkim płaska powierzchnia zorganizowana kolorami Pomysł ten pomaga zrozumieć nowoczesność Nabi: mniej iluzji, bardziej zakładana kompozycja.
Czy Nabi są blisko japonizmu?
Tak.często używają płaskich obszarów, ram i powierzchni dekoracyjnych inspirowanych japońskimi nadrukami, ale mieszają je z symboliką, intymnością i nowoczesnym wystrojem.
Czy farba nabi nadaje się do wnętrza?
W porządku Nabi już myślą o relacji między obrazem, ścianą i wystrojem Przynoszą ciepło, wzory, intymność i kolor, nie przekształcając pokoju w pokój, który jest zbyt uroczysty.
Dlaczego Nabi pozostają nowocześni?
Ponieważ asertują powierzchnię obrazu, upraszczają kształty i nadają wystrojowi prawdziwą wartość artystyczną, sprawiają, że codzienne życie jest gęstsze, bardziej kolorowe i szczerze mówiąc lepiej ubrane.
0 komentarze