Słynne portrety: 100 słynnych obrazów

Le portrait est l'un des genres les plus directs de la peinture. Un paysage peut nous inviter à entrer, une nature morte peut nous retenir devant une table, mais un portrait nous attrape par les yeux. On y cherche une personne, un rang social, une émotion, un secret, parfois une petite moue qui dit clairement que le modèle avait mieux à faire ce jour-là. De la Renaissance à l'art moderne, le portrait sert à montrer le pouvoir, l'amour, la mémoire, la beauté, la fragilité et l'ego humain dans toute sa splendeur très bien éclairée.

La Renaissance donne au portrait une profondeur nouvelle. La Joconde de Léonard de Vinci, Ginevra de' Benci, les portraits de Raphaël, les figures de Van Eyck, Holbein, Titien ou Bronzino installent le visage comme un territoire psychologique. Le modèle n'est plus seulement un nom avec un beau vêtement : il devient une présence qui pense. Les mains, les yeux, les tissus, les bijoux et les arrière-plans racontent autant que la bouche. Et parfois la bouche, justement, refuse de conclure, ce qui explique pourquoi La Joconde travaille encore à temps plein dans l'imaginaire collectif.

Au XVIIe siècle, Rembrandt, Velázquez, Van Dyck, Rubens, Hals et Vermeer donnent au portrait des tempéraments très différents. Rembrandt creuse l'ombre et l'âge avec une humanité immense. Velázquez observe la cour avec une intelligence redoutable. Van Dyck fait briller l'aristocratie, Hals donne du mouvement au visage, Vermeer suspend une jeune fille dans une lumière si délicate qu'on hésite presque à respirer devant elle. La Jeune Fille à la perle n'a pas besoin d'un grand décor : un regard, une torsion, une touche de blanc, et la pièce devient soudain plus silencieuse.

Le XVIIIe et le XIXe siècle élargissent encore le jeu. Vigée Le Brun, Gainsborough, Reynolds, David, Ingres, Goya, Manet, Renoir, Sargent, Whistler et Cassatt peignent des portraits mondains, familiaux, politiques ou intimes. Certains modèles veulent afficher leur rang, d'autres semblent surpris d'être devenus immortels entre deux rendez-vous. La Loge de Renoir, Arrangement en gris et noir n°1 de Whistler, les portraits d'Ingres ou les femmes de Manet montrent que le portrait peut être élégant, social, ironique, tendre ou légèrement intimidant selon l'angle du chapeau.

Avec Van Gogh, Munch, Klimt, Modigliani, Schiele, Picasso ou Matisse, le portrait cesse de devoir ressembler sagement. Il exprime, déforme, simplifie, allonge, colore, inquiète, illumine. Chez Van Gogh, un visage peut avoir la tension d'un ciel d'orage. Chez Klimt, il devient icône décorative, presque bijou vivant. Chez Modigliani, les yeux en amande et les cous interminables donnent aux modèles une distance rêveuse. On reconnaît moins une personne qu'une façon d'être au monde, ce qui est parfois plus vrai qu'une photographie prise un mauvais mardi.

Ten Top przyznaje pierwszeństwo portretom zdolnym nieść opowieść: uniwersalnym ikonom, intesywnym autoportretom, słynnym modelkom, spojrzeniom, które naznaczyły dany ruch, postaciom światowym, anonimowym twarzom, które stały się niezapomniane. Najbardziej znane dzieła otwierają pochód, potem trasa prowadzi ku mniej oczekiwanym, lecz bardzo wyrazistym portretom. Cel jest dla czytelnika prosty: przechodzić od spojrzenia do spojrzenia, nie mając wrażenia wypełniania muzealnego formularza — to rozsądna, a nawet dość cywilizowana ambicja.

W wystroju wnętrza portret natychmiast wprowadza relację. La Joconde wprowadza tajemnicę, Vermeer ciszę, Klimt złote światło, Renoir życie towarzyskie, Van Gogh intensywność, Modigliani melancholijną elegancję, Rembrandt ludzką głębię. Wystarczy zaakceptować, że dobry portret potrafi zmienić nastrój pomieszczenia szybciej niż nowa kanapa. Malowany wzrok ma tę dziwną uprzejmość: nie mówi, a jednak nigdy nie jest naprawdę nieobecny.

Słynne portrety cieszą, ponieważ łączą dwa bardzo ludzkie pragnienia: rozpoznać kogoś i odkryć to, co wymyka się rozpoznaniu. Twarz jest na miejscu, lecz zachowuje margines tajemnicy. To właśnie ten rezerwuar sprawia, że wzrok wraca. Bardzo dobry portret nigdy nie mówi wszystkiego. Zostawia wyobraźni puste krzesło — a potem udaje, że nie ma z tym nic wspólnego.