Top 30 · Op Art
Vasarely, Riley i iluzje wizualne
Kiedy nieruchoma powierzchnia wydaje się wibrować, falować, wydrążać lub zmieniać kolor na naszych oczach.
Op Art ugruntował się na początku lat 60. w sieci, która łączyła Paryż, Londyn, Nowy Jork, Mediolan, Padwę, Zagrzeb i kilka stolic Ameryki Łacińskiej, Opiera się na abstrakcji geometrycznej, teorii kolorów, psychologii percepcji i nowych możliwościach materiałów przemysłowych Klasyfikacja ta sprzyja wizualnej inwencji, historyczne znaczenie, udział w decydujących wystawach - w szczególności Responsywne oko w MoMA w 1965 roku - i zdolność każdego artysty do odnowienia naszego doświadczenia ruchu, światła i przestrzeni.
Powtarzanie, kontrast i kolor powodują pozorny ruch bez klasycznej narracji i perspektywy.
Widok nie jest zapisywany
Percepcja staje się prawdziwym przedmiotem pracy
Op Art nie tylko zdobi powierzchnię geometrycznymi wzorami Wykorzystuje granice i automatyzmy widzenia: równoczesny kontrast, trwałość siatkówki, niejednoznaczność figury-tło, wilgoć i niestabilność koloru Obraz zatem przekształca się, gdy na niego patrzymy, nawet gdy nic nie porusza się materialnie.
Ruch bez granic
Paryż, Londyn, Nowy Jork i Nowe Trendy
Vasarely i galeria Denise René odgrywają centralną rolę w Paryżu, podczas gdy Riley narzuca na Londyn żywą czarno-białą abstrakcję W Stanach Zjednoczonych Albers, Anuszkiewicz i Stanczak rozwinęli wrażliwą naukę o kolorze GRAV, Gruppo N, Gruppo T i sieć Nouvelles Tendances łączą te badania z Zagrzebiem, Mediolanem i Padwą, z decydującym wkładem Ameryki Łacińskiej.
Metoda klasyfikacji
Wpływ, radykalność i doświadczenie widza
Rangi łączą cztery kryteria: znaczenie w historycznej formacji Op Art, oryginalność rozwiązań plastycznych, międzynarodowy wpływ oraz bogactwo doświadczenia oferowanego publiczności Ranking obejmuje malarzy, rytowników i twórców środowiska, gdy ich twórczość opiera się bezpośrednio na iluzjach wizualnych i aktywnej percepcji.
Decydujące liczby
Top 10 - Od Vasarely'ego i Rileya do GRAV
Artyści, którzy zdefiniowali słownictwo optyczne, umiędzynarodowili ruch i przesunęli obraz w stronę koloru, światła i uczestnictwa.
#1
Wiktor Wasarely
Vasarely nadaje Op Art najbardziej rozpoznawalne słownictwo: sieci, zniekształcenia, kontrasty i kolorowe moduły Jego seria Vega sprawia, że płaska powierzchnia pęcznieje lub jest pusta, podczas gdy jego „plastikowy alfabet" ma na celu uczynienie sztuki powtarzalną i dostępną.
Przeczytaj wpis Wikipedii#2
Bridget Riley
Riley przekształca linie, krzywe i interwały w wydarzenia wizualne Jego pierwsze czarno-białe obrazy wytrącają oko z równowagi; jego kolorowe prace badają następnie interakcje chromatyczne z precyzją, która pozostaje głęboko wrażliwa.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#3
Józefa Albersa
Albers nie szuka spektakularnej iluzji, ale pokazuje, że wszystkie kolory zmieniają się w zależności od sąsiedztwa Seria Hołd kwadratowi i jej nauczanie w Black Mountain, a następnie Yale zapewniają kilku artystom Op rygorystyczną metodę myślenia o percepcji.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#4
Ryszard Anuszkiewicz
Wychowanek Albersa Anuszkiewicz popycha kontrasty kolorystyczne do tego stopnia, że jego geometrie promieniują od środka Jego ciasne kontury i elektryczne zakresy sprawiają wrażenie, że światło wytwarza sam obraz.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#5
Julian Stanczak
Stanczak porządkuje kolor na warstwy, siatki i falowania, których stabilność zmienia się w zależności od wyglądu. Jego praca, naznaczona fizycznym doświadczeniem utraty mobilności, sprawia, że percepcja jest ćwiczeniem adaptacyjnym pacjenta.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#6
Jezus Rafael Soto
Soto uwalnia efekt optyczny malowanego ujęcia sam Pędy, przewody i żebrowane ekrany wytwarzają prawdziwe wibracje, następnie jego Penetrables zapraszają publiczność do wejścia do pracy i doświadczenia przestrzeni przez ciało.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#7
Carlosa Cruza Dieza
Cruz-Diez traktuje kolor jako niestabilną rzeczywistość, która pojawia się z czasem Fizychromie, chromosaturacje i interwencje miejskie sprawiają, że praca zależy od światła, ruchu i pozycji widza.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#8
Yaacov Agam
Agam konstruuje obrazy reliefowe, których obraz zmienia się w zależności od kąta widzenia, Czasami dodaje ruch, dźwięk i uczestnictwo, potwierdzając, że dzieło nie może zamrażać ani jednego wyglądu, ale zawierać kilka możliwych stanów.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#9
Julio Le Parc
Park zastępuje stałą kompozycję urządzeniami światła, odbić i ruchu Współzałożyciel GRAV, stara się przesunąć autorytet artysty w stronę aktywnego doświadczenia publiczności, często o wymiarze zabawowym i krytycznym.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#10
François Morelleta
Morellet wymyśla proste zasady - ramy, kąty, losowe rozkłady - a następnie pozwala systemowi wygenerować pracę. Jego humor, neony i interwencje architektoniczne odnawiają abstrakcję geometryczną, nie czyniąc jej uroczystą.
Przeczytaj wpis WikipediiLaboratorium zbiorowe
Stopnie od 11 do 15 - GRAV i niestabilność wizualna
W Paryżu wspólne doświadczenia czynią widza aktorem i konfrontują się z ramami, moirami, silnikami, lustrami i świetlistymi ekranami.
#11
Yvaral
Syn Vasarely'ego i członek GRAV, Yvaral rozkłada obrazy na zaprogramowane jednostki geometryczne. Jego cyfrowe portrety i płaskorzeźby pokazują, jak postać może wyglądać z abstrakcyjnej sieci obserwowanej z daleka.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#12
Horacio Garcia Rossi
Garcia Rossi najpierw bada powtarzanie czarno-białych kształtów, a następnie wprowadza silniki, projekcje i ekrany świetlne, Po GRAV zagłębia się w poruszające się światło koloru, które łączy percepcję, pisanie i transformację czasową.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#13
Francisco Sobrino
Sobrino wykorzystuje przezroczyste lub odblaskowe materiały przemysłowe do zwielokrotniania planów i zacierania ich granic, Jego struktury zmieniają się wraz z otoczeniem i sprawiają, że światło jest tak ważnym materiałem jak pleksiglas.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#14
Joela Steina
Stein bada zjawiska moiré, polaryzację i sieci nałożone Jego badania, prowadzone w zbiorowym umyśle GRAV, przekształcają kontrolowane operacje geometryczne w poruszające się doświadczenia wizualne.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#15
Marta Boto
Boto projektuje reliefy i pudełka, w których lustra, silniki i światła wytwarzają zmieniające się sekwencje. Jego mechaniczna poezja pozwala uniknąć nieuzasadnionego efektu: rodzi niemal kosmiczną kontemplację z zaprogramowanych elementów.
Przeczytaj wpis WikipediiKolor w ruchu
Rangi od 16 do 20 - Paryż, Ameryka Łacińska i Włochy
Chromokinetyka spotyka się z powierzchniami przemysłowymi, świetlistymi płaskorzeźbami i zaprogramowanymi badaniami włoskiej sceny.
#16
Gregorio Vardanega
Vardanega łączy kolor, światło elektryczne i ruch w często okrągłych urządzeniach Jego prace chromokinetyczne tworzą cykle świetlne, które sprawiają, że czas trwania jest widoczny i bezpośrednio angażują pole percepcyjne.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#17
Luisa Tomasello
Tomasello utrwala małe białe objętości na wsporniku, tak aby ich kolorowe twarze wyświetlały pośrednie odbicia. Kolor wydaje się zatem unosić wokół obiektu, modyfikowany przez światło otoczenia i ruch spojrzenia.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#18
Getulio Alviani
Alviani produkuje aluminium, aby jego smugi inaczej wychwytywały i odbijały światło Jego wibracyjne powierzchnie nie poruszają się mechanicznie: to widz aktywuje ich odmiany poprzez zmianę położenia.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#19
Dadamaino
Dadamaino najpierw otwiera płótno powtarzającymi się owalami, a następnie opracowuje maleńkie ramki i znaki, które powodują napięcie powierzchni. Jego badania łączą przestrzenność, zaprogramowaną sztukę i bardzo osobiste pisanie wizualne.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#20
Alberto Biasiego
Biasi nakłada paski, reliefy i kolorowe struktury, tak aby obraz ulegał przemianie wraz z ruchem publiczności Współzałożyciel Gruppo N, łączy włoską sztukę zaprogramowaną z fizycznym i stale zmiennym doświadczeniem.
Przeczytaj wpis WikipediiNowe przestrzenie
Rangi od 21 do 25 - Środowiska i pola percepcyjne
Iluzja opuszcza obraz: staje się instalacją, aureolą, koncentrycznym okręgiem lub kolorowym rytmem, który otacza spojrzenie.
#21
Grazia Varisco
Varisco projektuje urządzenia, w których ruchome elementy, magnesy, światło i przypadek zakłócają znaczniki wzroku. Jego praca w Gruppo T twierdzi, że praca jest raczej zjawiskiem w trakcie tworzenia niż nieruchomą formą.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#22
Hugo Demarco
Demarco łączy zmotoryzowane reliefy, pryzmaty i gradienty chromatyczne, aby krążyć światło i kolor Jego pozornie proste struktury stają się bardzo aktywne, gdy tylko elementy się obracają lub widz zmienia punkt widzenia.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#23
Wojciech Fangor
Fangor unosi koła, fale i kolorowe aureole o celowo rozmytych konturach Jego obrazy zdają się poruszać do przodu i do tyłu w przestrzeni bez krawędzi, tworząc atmosferę optyczną, która jest bardziej otaczająca niż geometryczna.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#24
Maks Bill
Bill opiera swoje kompozycje na wyraźnych relacjach matematycznych, ale szuka wrażliwej obecności, a nie suchej demonstracji. Jego konkretna sztuka zapewnia generacjom optycznym model porządku, serii i ciągłości przestrzennej.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#25
Augusta Herbina
Herbin stopniowo redukuje swój język do kolorowych geometrycznych kształtów i rozwija plastyczny alfabet łączący litery, kolory i dźwięki Ta antycypacyjna gramatyka przygotowuje ideę sztuki wizualnej opartej na łączonych jednostkach.
Przeczytaj wpis WikipediiMiędzynarodowa historia
Rangi od 26 do 30 - Stany Zjednoczone, Niemcy, Wielka Brytania i Chorwacja
Trajektorie te pokazują różnorodność Op Art, od geometrii systemowej po moiré, ruchome rysunki i pulsacje świetlne.
#26
Jeana Dewasne’a
Dewasne wykorzystuje ostre mieszkania, mechaniczne arabeski i przemysłowe podpory, aby stworzyć przestrzenie bez klasycznej głębi. Jego murale i środowiska łączą skonstruowaną abstrakcję, architekturę i wpływ optyczny.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#27
Geneviève Claisse
Claisse organizuje celowo zredukowane słownictwo - koła, trójkąty, kwadraty - o bardzo ostrym kolorze Przesunięcia, obroty i kontrasty nadają jego kompozycjom natychmiast czytelną energię optyczną.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#28
Ellswortha Kelly’ego
Kelly izoluje kształty, fragmenty architektoniczne i barwne relacje, tak aby percepcja poprzedzała interpretację Jego ostre sylwetki i monochromatyczne panele dzielą z Op Art radykalną pewność co do bezpośredniego efektu formy.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#29
Kennetha Nolanda
Noland koncentruje kolor w celach, jodełkach i pasmach, które natychmiast kierują wzrokiem Jego kręgi z lat 50. i 60. wytwarzają centralną pulsację, gdzie każdy odcień modyfikuje zakres pozostałych.
Przeczytaj wpis Wikipedii
#30
Franka Stelli
Stella swoje pierwsze obrazy skonstruowała z powtarzających się pasków, które były zgodne z formatem medium. Ich frontalna logika usuwa tradycyjny iluzjonistyczny gest, generując jednocześnie rytm, ekspansję i przestrzenne niejasności.
Przeczytaj wpis WikipediiŹródła i rozszerzenia
Pogłębianie Op Art w kolekcjach publicznych
Archiwa wystaw, ogłoszenia o pracach i akta muzealne pozwalają na umieszczenie efektów optycznych w szerszej historii abstrakcji, koloru i sztuki kinetycznej.
Przeczytaj na Alpha Reproduction
Iluzja optyczna ujawnia, że patrzenie już działa
Praca Op nigdy nie dostarcza definitywnie stabilnego obrazu Zależy to od odległości, światła, ruchu ciała i relacji między kolorami Widz nie jest już umieszczony przed ukończoną reprezentacją: uczestniczy w jej produkcji.
Od Vasarely'ego po Rileya, od GRAV po artystów Nouvelles Tendances, te trzydzieści kursów pokazuje, że Op Art wykracza daleko poza zawroty głowy czerni i bieli. Otwiera się na środowisko, architekturę, design, sztukę cyfrową i wszystkie praktyki, które czynią percepcję żywym materiałem.
0 komentarze